Historia de Pokémon - Del cable link a la Gran pantalla

Saludos frikipilleros. Hoy, repasamos la historia de Pokémon. Desde su invención por parte de Satoshi Tajiri, hasta su adaptación al cine con Detective Pikachu. Y entre medias, hacemos un repaso a todos los juegos, generaciones y sagas que ha tenido este título. Dadle al like si os ha gustado, comentad qué os ha parecido y compartidlo con otros frikis!

Multiverso Marvel - ¿Lo veremos en el MCU?

Saludos frikipilleros. Hoy analizamos los universos más importantes en el multiverso de los comics Marvel. Hablamos de Spiderverse o las Secret Wars y además analizamos las posibilidades de que este multiverso aparezca en el Universo Cinematográfico.

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Hoy analizamos los universos más importantes en el multiverso de los #comics #Marvel. Hablamos de #Spiderverse o las #SecretWars y además analizamos las posibilidades de que este #multiverso aparezca en el Universo Cinematográfico. Vídeo completo en el enlace de la bio! #youtube #frikipills

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Nuevo avance de Final Fantasy VII Remake

Hace nada se ha hecho público un nuevo avance del esperado remake de Final Fantasy VII con los primeros retazos de gameplay que vemos en casi cuatro años. Pone el hype aún más por las nubes. #FFVIIRemake

Análisis: Detective Pikachu (juego para Nintendo 3DS)

El juego maduro del día. Este tiene ya unos meses, pero me apetecía mucho traerlo aquí, más aún cuando se acerca la película homónima, protagonizada por Justice Smith y con Ryan Reynolds como la voz de este peculiar Pikachu. 

Sí, porque el pikachu que da nombre al título de este juego, DETECTIVE PIKACHU, no es el de Ash Ketchum. Para nada. Es más, casi es la antítesis del sempiterno acompañante del entrenador pokémon de pueblo paleta. 

Pero empecemos por el principio. ¿Qué es este juego? Pues claramente, no es una continuación, por así decirlo, de la saga principal de Game Freak, iniciada hace ya la friolera de 20 años en la portátil de nintendo de aquel entonces, la Gameboy con los Pokémon Rojo y Azul en España y Verde y Azul en el país del sol naciente. Este Detective Pikachu es uno de esos juegos paralelos, como podía serlo el pokémon ranger, o el pokémon pinball, o el juego de cartas de pokémon basado en las cartas de Wizards of the Coast. Pero es mucho más que eso, porque este cartucho, es más bien un spin off de la saga original. O puede que del anime. Sí señor. Porque aquí, tenemos hasta un cameo del Pikachu de Ash. O del pikachu de Rojo. Bueno, de “ese” pikachu. 

Detective Pikachu ha llegado este verano a nuestras 3DS. Dos años tarde, hay que decirlo, porque en Japón se estrenó en 2016. Y ha venido para triunfar. El juego ha sido creado por la subsidiaria de Nintendo, Creatures, que creo que ha hecho un trabajazo. Y os diré porqué. Pues porque en este juego tenemos ocasión, casi diría que por vez primera de sumergirnos en el mundo pokémon como no lo habíamos hecho antes. Hasta ahora, nuestra misión siempre había sido recorrer el mundo, ya fuese por Kanto, johto, Alola o la región que tocase, para combatir con literalmente quien se cruzara en nuestro camino. Y así hasta coleccionar todas las medallas de gimnasio y ganar la liga pokémon, convirtiéndonos en el mejor entrenador pokémon de todos los tiempos. En Detective Pikachu la cosa cambia. Al fin podemos explorar un mundo donde estas criaturas no son simplemente objetos, máquinas de combate usadas para ver quien la tiene más grande. Aquí los pokémon conviven con los humanos, trabajan, se divierten… son seres que viven en sociedad con nosotros.

Y en este mundo, nos trasladamos hasta Ryme City. A la ciudad acaba de llegar un joven llamado Tim Goodman. El padre de Tim, Harry, era detective en Ryme City, pero hace dos meses que desapareció tras un accidente de tráfico. Nada más llegar, Tim se ve envuelto en un asunto con unos Aipom ladrones y ¡pum! Se topa con un extraño pikachu. Uno al que Tim entiende. Sí frikis, porque este pikachu habla, pero además habla con un vozarrón y una socarronería como no hubiéramos imaginado jamás. Es hasta un ligón y le tira los trastos a más de una humana. De un modo u otro, Tim y pikachu acaban formando equipo para dar con Harry, el cual resulta que era el dueño de Pikachu. Por el camino, y a través de nueve interesantes capítulos, ambos detectives se complementarán para, además, averiguar por qué se están dando extraños casos de conflictos entre pokémon y humanos en la ciudad.

La historia, aparentemente sencilla en su comienzo, se va complicando y tensando cada vez más hasta llegar, tras 12 horas de juego a tremendo clímax. Mola además, porque el modo en que está escrita es muy detectivesco. Capítulo a capítulo, los personajes visitan la agencia de detectives Baker, la cafetería Hi-hat (sí, este pikachu es adicto al café) y van recorriendo diversos emplazamientos donde llevan a cabo sus investigaciones. ¿Cómo? Pues básicamente se trata de una aventura gráfica, muy al estilo Broken Sword, donde hemos de ir curioseando por la pantalla e interrogando a todo humano o pokémon que se nos ponga por delante. Sí, también pokémon, porque gracias a pikachu podemos comunicarnos con ellos también. 

Como herramientas contamos con nuestro cuaderno, donde tenemos un expediente para ir fichando todo cuanto vemos, personajes, pokemon, conversaciones… y un apartado de pesquisas donde anotaremos todo hecho importante en cada caso, lo que nos llevará a resolver los diversos misterios. Pero además hay pruebas y puzzles que hemos de resolver. 

La única gran pega que quizás tiene el juego es su nivel de dificultad. Resulta relativamente fácil, aunque el nivel aumenta según avanzamos en la historia. Pero es más que asequible, más aún cuando pikachu nos insta a hablar con él y nos va ayudando y dando pistas sobre el siguiente paso que hemos de dar. De hecho, Pikachu nos llama en ocasiones, pero también nosotros podemos llamar su atención cuando lo deseemos. Pikachu nos dirá algo a través de una divertida animática. A veces algo importante, otras algo divertido.

Así pues, no resulta aburrido para nada, pues es tal la riqueza de personajes, escenarios y pokémon, combinada con lo interesante de este mundo que ha creado la gente de Creatures donde humanos y monstruos viven en sincronía, que disfrutas el juego cosa mala, como si de una peli interactiva se tratase. 

Otra peguilla, aunque no es realmente tal, es el diseño de personajes. Funcional, pero simplón. Mola, pero está muy alejado del estilo habitual de los personajes de la saga central, lo que a veces me sacaba del universo pokémon un poquito. Pero salvando ese estilo cartoon, es un mundo muy rico y una nueva manera de ver la harmonía entre pokemon y personas lo que, junto con este pikachu vacilón, al cual han logrado darle una personalidad totalmente distinta a la del ratón amarillo que todos conocemos, haciéndole único, hace de este juego una aventura super entretenida que merece la pena explorar. 

Normal: Una novela de Warren Ellis

Traigo un librito que es poco más que un cuento. Pero me llamó muy mucho la atención en la estantería de la librería y no pude dejar de hacerme con él. Yo iba a comprar los cuentos infantiles que SM ha publicado de ET y Regreso al futuro, dibujados por la genial artista canadiense Kim Smith. Una delicia que os recomiendo, para los que tenéis peque, pero también para los que no, que rejoliándronos. Son preciosos. Ya que estamos en un programa de literatura… esto también es literatura, ¿no?

Pues con estos libros en las manos, de repente me topé con una novelita de 150 páginas, muy finita llamada Normal. La portada, bastante chula, llamaba la atención, pero lo que más capturó mi vista fue el autor. Warren Ellis. Frené en seco. ¡Wait a minute! ¿El mismo Warren Ellis de Planetary y Transmetropolitan? ¿El que ha guionizado la serie animada de Castlevania que tanto le gusta a Maite? ¿El de RED, la novela gráfica reconvertida a pelis con Bruce Willis como prota?

Pues sí, ese mismo Warren Ellis. El autor de comic y guionista, para los que no lo sepan, también tiene una faceta novelística. De hecho, ya antes había publicado Camino Tortuoso, que ya me la he apuntado porque mucha gente habla muy bien de ella, y Ritual de Muerte. 

A mí me pilló a contrapié, así que la tentación me pudo y la novela se vino conmigo a casa. 

¿Y qué es este NORMAL? Pues ya digo, una historia muy cortita, de 147 escasas páginas en su versión impresa y editada por Alianza Literaria, rama de Alianza Editorial. Una novela que de hecho se lanzó originalmente en forma digital y en cuatro partes separadas, como por fascículos. Cuatro partes, que ahora componen una historia completa. 

No obstante, tengo sentimientos enfrentados y sobretodo dificultades a la hora de analizar la obra. ¿Por qué?

Bueno, en primer lugar porque la he llamado novela. Pero quizás no sea la palabra adecuada. No porque por extensión se acerque casi más al cuento, sino porque Normal no tiene, precisamente, una estructura muy normal y, más que una historia per sé con pies y cabeza, acaba por ser un compendio de ideas, a cada cual más tortuosa y negativa sobre esos futuros post-apocalípticos que tanto le gustan al señor Ellis. 

Pero también tiene sentido, porque la acción de Normal, tiene lugar en un sanatorio mental y por ello, esta estructura, este batiburrillo de ideas y mensajes desoladores, están impregnados de un cierto tono esquizofrénico que le da un aire perfecto y caótico a esta historieta de manicomio. 

Además, me da la sensación de que este escrito es casi un experimento de Ellis, una especie de ensayo con tintes de ficción en el cual quiere verter, bajo la voz de una serie de personajes tocados del ala, cuáles son sus puntos de vista sobre la sociedad, la tecnología y el futuro que nos espera. Me da a mi que la mente de Warren está cual olla a presión y necesita de vez en cuando de una poca verborrea literaria, para bien o para mal. Para bien porque las ideas vertidas en Normal son de los más originales y para mal, porque es tal el chorro de información, que muchas veces carece de forma y consistencia. 

Como digo, la historia tiene lugar en un manicomio llamado Normal (normal head en el original) donde encierran a los futuristas, tipos a los que pagan por pensar y diseñar un futuro mejor. Pero tanto piensan que se vuelven locos, o como dice Ellis, miran al abismo y el abismo les devuelve la mirada. Entre los futuristas hay dos grupos: Los de previsión estratégica, que dependen de ONGs y buscan evitar desastres futuros, y los de Predicción estratégica, pagados por empresas de seguridad y corporaciones, que dan por hecho esos desastres y pretenden crear métodos para sobrevivir a los mismos. 

Nuestro protagonista se llama Adam Dearden, es uno de estos futuristas, recién llegado a Normal tras una crisis nerviosa. Adam es conocido por muchos por haber desarrollado un sistema de microdrones asesinos y después haberse arrepentido al ver cómo su invento le superaba, habiendo pasado por previsión y por predicción estratégica. 

Nada más llegar a Normal, otro interno desaparece y en su habitación, sobre la cama, aparecen 90 kilos de insectos de todo tipo. El pánico empieza a revolotear sobre las cabezas desquiciadas del sanatorio. 

Así, Adam se convierte en una especie de detective que trata de resolver el misterio del hombre desaparecido, haciendo migas con varios internos, a cada cual más bizarro, tratando de sacar algo en claro. 

De este modo, la novela se convierte en una suerte de colección de monólogos de estos extravagantes personajes a través de los cuales nos relatan sus miedos sobre un futuro muy oscuro. 

Personajes como Clough, un tío superdesagradable al que sólo calman amenazándole con destruir el único DVD de Danger Mouse que hay en el manicomio. 

O Lela, una urbanista a la que le falta un hervor. 

Colegrave, un hombre que lleva 15 años allí encerrado y que planea seguir viviendo en el centro hasta el fin de sus días. 

O mi favorita, Bulat, una mujer en simbiosis con su bioma. Habla en plural como Venom, pues su cerebro está en comunión con su flora intestinal, que también tiene cerebro y la guía a través del instinto crudo de la naturaleza. Eso y que come líquenes la hace adorable. Bulat intenta convencer a Adam de que escuchar a nuestro bioma nos conducirá hacia un futuro mejor. 

También está Dickson, un enfermero que va siempre a tope de anfetaminas para darle servicio a todo el mundo no teniendo que dormir. 

O la terapeuta, la Doctora Murgu.

Lo dicho, historias del manicomio. Paranoia y tecnofobia a cascoporro. Una lectura rápida que no ligera, pues como ya digo, los personajes de Ellis, a parte de superficiales (tampoco hay mucho tiempo para profundizar), son dispersos a más no poder y la mayor parte del tiempo nos la pasamos leyendo y avanzando con el pensamiento de “venga, que en algún momento voy a entender algo”. 

Al final engancha y gusta, entre otras cosas, por su humor negro, en ocasiones sutil pero descacharrante. Te asustas, porque el mensaje es chungo y desalentador. Piensas que este technothriller no está muy lejos de la realidad. Que la vigilancia constante, los drones, las armas, el control psicológico de masas y demás, está ya a la vuelta de la esquina, si no ejerciéndose en nuestro presente. Pero sobretodo piensas que has empezado a pillar de qué leches va la cosa en la página 145 y te dan ganas de volver a leértelo.  

Crítica: THE MARVELOUS MISS MAISEL - Temporadas 1 y 2

(sonido de micro que se acopla)

¿Hola? Hola, buenas noches… 

Tengo una pregunta que me lleva reconcomiendo por dentro años. Os la suelto y así os fastidiais vosotros también. ¿Si Hitler y Cantinflas se besan en la boca sus bigotes no se tocan, verdad?

(abucheos)

Vale vale… joe, nunca dije que fuera un buen monologuista. De hecho la Stand up Comedy es muchísimo más que coger un micro y subirse aquí al escenario. Hay que valer. Se requiere valor, carisma y trabajo duro. Analizar a la audiencia, tener gracia y sobretodo algo que contar. 

Es el caso de Midge, Miriam Maisel. La mejor cómica que ha visto Nueva York en el siglo XX. ¿No la conocéis?

Si hombre, la increíble Señora Maisel. Bueno, pues si no os suena, ya estáis tardando en poneros a disfrutar de sus aventuras, porque son un must. De hecho, es un delito que no la hayamos traído antes. En serio. 

Lo malo es que soy de hacer buenas críticas, nos cuesta ser malos, casi todo nos gusta… y por eso será difícil que valoréis esta serie si digo que es un must, que es redonda o la mejor comedia que he visto en años. Perfecta a todos los niveles. Unos guiones fabulosamente escritos, un elenco y unas interpretaciones magistrales, un trabajo de cámara y fotografía preciosos con una nueva york de los años 50 que no deja indiferente. Amazon Prime Video no ha reparado en gastos. 

A veces te sientas a ver una sitcom y ésta tiene sus momentos o su personaje, como Sheldon, o Barney Stinson… aquí todos los momentos cuentan y cada personaje es una risa. Casa plano es precioso. Cada chiste desternillaste 

En La Maravillosa Miss Maisel, todo es un no parar. Amy Sherman-Palladino, quien antaño fuera showrunner de las Chicas Gilmore, y su marido Dan, han sabido recoger un montón de piezas dispersas y combinarlas de forma majestuosa en esta serie que ya consta de dos temporadas. 

Dos temporadas que tratan sobre la ambición sobre los sueños y esperanzas y sobre los desafíos de una muchacha que sin duda, tiene mucho que decir. 

Rachel Brosnahan, a la que puede que recordéis por House of Cards, es Midge, judía pudiente en la Nueva York de los años 50. Sujeta por ello a las reglas y convicciones de su religión y su estatus social. Y, de repente… divorciada con hijos. Sí, porque su marido Joel, que quiere ser monologuista, sufre una crisis de los 30 y decide dejar a su mujer por su secretaria. 

La cuestión es que Joel tiene poco talento para la comedia. Pero no así Midge, quien le ha acompañado a cada oscuro y maloliente club neoyorquino, quien ha escuchado cientos de chistes, buenos, malos y peores, quien tiene un don natural para el humor.

Y por eso, la repentina situación familiar de Midge hacen que acabe borracha y semidesnuda dando un discurso en el Gaslight (local real de Nueva York donde surgió lo mejor de la Stand Up),  ganándose al público… y yendo a la cárcel. Acaba de nacer una monologuista. 

A partir de ahí todo es cuesta abajo. Pero ya digo, lo genial es que cada momento es para recordar y cada personaje un lujo. Los padres de Midge y de Joel, consuegros constantemente enfrentados, dos familias judías de alta cuna que fanfarronean constantemente para demostrar su  lugar en la sociedad. Estas escenas son de lo mejorcito. Hasta Zelda, la criada o el niño de Midge y Joel, tienen gran valor. O Astrid, su cuñada, mi favorita, una pasional e inocente moza que se ha reconvertido al judaísmo y se lo toma más en serio que cualquier otro miembro de la familia. Salen poco, pero cada vez que lo hacen sube el pan. De la mano de Midge va siempre su manager, Susie, una camarera del Gaslight que es la antítesis de Mrs. Maisel. Tosca, vulgar, siempre la confunden con un hombre… un dúo genial al más puro estilo Quijote y Sancho. En la segunda temporada aparece también Shazam!, Zachary Levy, o cameos como el de Rufus Sewell, el obbergruppenfuhrer del hombre en el castillo. 

Y luego está el guión, ya digo, inteligentísimo. Cada frase, cada chascarrillo. Humor inteligente, fino, bien hilado e inesperado. Siempre perfecto y nunca con calzador. Diálogos cargados con mucha ironía. Siempre ágil. Es un desenfreno. 

Y el punto y final que funciona como broche de oro para todo amante de la Stand up comedy. Los personajes y lugares reales que pululan por el show. Empezando por uno de los padres del humor observacional, Lenny Bruce. Pero también Mort Sahl, Totie Fields, Joan Rivers… y un centenar que a los españoles de a pie pueden no sonarnos, pero que si te pones a indagar verás que de un modo un otro son los precursores de la stand up que tan moderna parece. 

Los Sherman Palladino lo han logrado. Hacer una comedia sobre la comedia. Casi como Ignatius aquí en tierra patria, pero bien. Dos temporadas que no os podéis perder si os gusta el chiste inteligente, las interpretaciones de 10, el mundo de los monólogos, el humor judío o la vida en la Nueva York de los 50. Drama, romance y humor. Alimento para el alma y el cerebro. Lo dicho, un must. 

Ala, ya lo he dicho. Ahora me voy a seguir pensando en bigotes de cómicos y dictadores. Muy buenas noches.

Crítica: STAR TREK DISCOVERY - Temporada 2

Cuaderno de bitácora… fecha estelar… ehm… 042019… abril vamos… la misión ha sido todo un éxito. Tras una primera temporada fantabulosa, la CBS no tuvo más remedio que darnos a los Trekkies un poco más de droga mala. Casi tan tóxica como el cristal de dilitio sin refinar. Nos prometió una segunda temporada de Star Trek Discovery y nos la concedió. 

La primera temporada llenó nuestros corazones. Fue el Star Trek que nunca habíamos visto. Coproducida por Netflix, nos mostraban una nueva tripulación y una nueva nave en un periodo nunca visto. Una guerra con los Klingon sucedida diez años antes de las aventuras clásicas de Kirk y compañía. Y todo ello en un formato novedoso en la franquicia. Poco más de una decena de capítulos con un arco argumental unificado y unos cliffhangers del copón. 

Pues esta segunda temporada ha sido rizar el rizo. Viajes en el tiempo, acción a raudales, tramas personales que tocan la patata, unos efectos especiales muy por encima de la media televisiva, con calidad de producción cinematográfica no sólo en el CGI sino en todo, maquillaje, vestuario… y una entrada en el canon trekkie por todo lo grande. 

La Enterprise original hace su presencia aquí. Y su primer capitán, Cristopher Pike, a quien vimos en el piloto del Star Trek de los sesenta, The Cage, más adelante, deforme y en silla de ruedas tras un accidente y en una versión alternativa en la línea Kelvin de las películas de Abrams. 

Pues este Pike hereda la silla de capitán de la Discovery y aunque al principio nos planteaba dudas, porque Jason Isaacs y su capitán Lorca habían dejado el liston muy pero que muy alto. Ala, ha sido darle a este señor, Anson Mount, la más mínima oportunidad de convertirse en Pike y ha conquistado el universo Trek como nadie antes lo había logrado. 

Bueno, en realidad toda la tripulación de esta Discovery deja huella. Michael, la hermanastra de Spock, Tilly, Stamets, el Saru de Doug Jones, magistral… todos, hasta los más secundarios. 

Pero ya digo, la introducción de la Enterprise, los guiños a la serie original, las referencias, el canon llevado al 2.0, Pike, Número Uno y la aparición de Spock, hacen de esta una temporada maravillosa. 

Sí, Spock, interpretado esta vez por un muy sexy Ethan Peck. Yo le veía demasiado hombrón para el papel, pero desde luego lo ha bordado. Y es que de algún modo esta temporada ha sido sobre él y su transformación para encontrarse a sí mismo y convertirse en el vulcano que todos conocemos. Aquí vemos a Spock 10 años antes de conocer a Kirk, pero el camino que le marca Michael Burnham, su semi hermana, es el correcto. 

Ah, claro, Michael. Sonequa Martin Green. Qué decir que no se haya dicho? Esta actriz es simplemente espectacular. Sus registros, su capacidad para ser el ser humano más tierno y el más agresivo al mismo tiempo. Perspicaz, audaz, mordaz… y muchas más cosas acabadas en AZ. De eso es esta chica… CAPAZ. 

La trama no la voy a desvelar porque conviene verla. Y de veras que es una serie imprescindible para los fans, pero también totalmente asequible para todo aquel al que le gusten las buenas producciones de ciencia ficción. Esta vez tenemos sucesos que amenazan el universo y la existencia misma. Una inteligencia artificial malévola y viajes en el tiempo. De hecho, la Discovery acabará embarcada rumbo a la tercera temporada, ya confirmada por Alex Kurtzman, a los mandos del universo televisivo actual de Star Trek, una temporada en la que se nos mostrará un universo nunca visto antes, enfrentando a esta super tripulación a eventos más allá de toda cronología conocida en la franquicia. Deseando estamos ya. 

Vivimos una época de gloria y bendición. Star Trek Discovery, The Orville, más trekkie que la propia Star Trek y ya en producción una nueva serie que pinta exquisita sobre el Capitán Picard con un Sir Patrick Stewart que a sus 80 añazos sigue dando guerra.  

Larga vida y prosperidad

El TESERACTO: Trayectoria de la Piedra del Espacio en el MCU

Mucho se ha hablado de las piedras del infinito en los últimos 10 años. Pero si hay una piedra en concreto que merece una Frikipill es la Piedra del Espacio, que encerrada en el TESERACTO, nos ha acompañado en el Universo Cinematográfico de Marvel desde Capitan America el Primer Vengador, hasta Capitana Marvel.

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El Teseracto, con la Piedra del Espacio en su interior, nos han acompañado en el #mcu desde Capitán América y hasta Capitana Marvel. Repasamos la trayectoria de este objeto por todo el universo cinematográfico Marvel, película a película 🍿 🎥 (vídeo completo en el enlace de la bio) #avengersendgame #tesseract #vengadoresendgame #vengadores #frikipills

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37 COMIC BARCELONA (Salón del Comic 2019)

Un año más tuve la ocasión de pasar unos días en Barcelona disfrutando del anteriormente conocido como Salón del Comic, ahora, Comic Barcelona. Una experiencia genial, un no parar de ver comics, autores, exposiciones, cosplayers, fanzines, charlas... hasta conciertos. ¡Pero sobretodo, una gran ocasión para disfrutar con amigos frikis!

Podéis escuchar la crítica a la edición de este año en el podcast 9x23 de Hello Friki: https://www.ivoox.com/hf-9x23-comic-37-comic-barcelona-detective-comics-audios-mp3_rf_34452935_1.html

JUEGO DE TRONOS: Casas, lemas y blasones

Se nos viene encima la última temporada de Juego de Tronos. Y por eso en esta Frikipill quería hacer un repaso a los blasones y lemas más importantes de la mítica saga literaria de George R.R. Martin. Para que no nos pase como a Bran Stark.

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Shazam! El Capitán Marvel original

Shazam! Hoy hablamos del Capitán Marvel original. El de DC. What? Sí, descubrimos los orígenes de este superhéroe surgido en los 40, que ha pasado por multitud de editoriales e incluso inspirado otros héroes 🦸‍♂️

Crítica: Umbrella Academy

Es sobretodo la historia de una familia disfuncional, más allá de si tienen poderes, son héroes eo villanos. 

Ojo al Showrunner, que es Steve Blackman, responsable de LEGION y ALTERED CARBON.

Es la versión de Gerard Way de la Doom Patrol de Morrison en DC. Pero más alocada y bruta quizás. Para mí el comic fue una gozada. Un experimento del cantante de my chemichal romance y el brasileño Gabriel Ba, que a mí me moló por lo atrevido tanto de los guiones, que se me antojaban un homenaje al género, pero con los slot twist adecuados para hacerlo interesante, un experimento en lo narrativo y en lo visual, con personajes divertidos y carismáticos y con tramas que arriesgaban sin mucho miedo a donde podrían desembocar. 

Sólo por mencionar la historia de refilon, todo comienza 30 años atrás cuando 43 mujeres que no estaban embarazadas dan a luz de golpe, a la vez ya nivel mundial. Siete de ellos son adoptados (o comprados) por Sir Reginal Hargreeves, Millonario, filántropo y extraterrestre, que los entrena para defender el mundo de una futura catástrofe, en la Academia Umbrella. 

La cosa es que esta esencia del comic se ha perdido en la serie, que juega un poco a lo que jugaba Marvel al llevar Netflix mediante a sus héroes más callejeros precisamente a pie de calle. Daredevil y el resto de Defensores eliminaban casi todo el factor pijamero en pro de crear una versión más oscura y realista de los héroes. Esto, sin embargo, no termina de funcionar con Umbrella Academy, porque para mi gusto, la magia del comic, estaba precisamente en el despiporre y la exageración. En sus villanos bizarros, en lo característico de sus personajes, una patrulla X 20 años después de abandonar a Xavier por mal padre. Personajes que aquí quedan bastante desdibujados, sosos, como rebajados con agua. 

Creo que hubiese funcionado mucho mejor con la mitad de capítulos. Eso sí, donde el cómic es un despiporre que mola, carece de coherencia narrativa, cosa que sí tiene esta historia televisiva, aunque flojee en su desarrollo. 

Un finale que en lugar de ser el crescendo de la suite apocalíptica, se queda un mero estribillo cutre, o ni eso, en un puente a la siguiente temporada. 

Lo mejor? Klaus y número cinco. Y eso que Klaus puede llegar a ser cargante y que su trayectoria queda muy difusa tras su instantáneo viaje al Vietnam de los sesenta. 

Pero lo de cinco es brutal. De verdad te crees que haya un asesino gruñón de sesenta años en el cuerpo de un quinceañero. 

Al final lo interesante es ver las relaciones y rivalidades que se han creado entre estos siete hermanos a lo largo de las últimas décadas. 

En lo visual y lo musical resulta impecable. 

La temporada pierde inicio hacia la mitad, por lo que digo que sobran capítulos. Algo ya muy habitual en muchas series de Netflix. Supongo que son estándares de la industria, pero no aprenden. 

Ahora que Marvel abandona Netflix, es momento de aprovechar. 

Crítica: LOVE DEATH & ROBOTS

Todos queremos ver a Hitler sufrir muerte por kiki. 

Love Death and Robots es quizá lo que ha quedado de la primigenia idea que Tim Miller y David Fincher tuvieron en sus cabecitas cuando se planteaban resucitar Heavy Metal. Y a diferencia de lo que le ocurrió a Zack Snyder, que también se vio en esas mimbres y cuya historia derivó quizás en Sucker Punch, en el caso de estos dos genios, sus degenerados cerebros han dado a luz a una antología de 18 cortos de entre 5 y 17 minutos de pura gloria, excesiva masculinidad, bastante adrenalina, algo de poesía, ciertas dosis de absurdo, muchos gatos y cachondeo padre que, en general dejan un resultado claro: Una sonrisa en la boca y la idea de que LDR es un despendole que no se toma en serio a sí misma, que es golosina para nuestros sentidos y que por eso se disfruta mogollón, en un primer, un segundo y hasta un tercer visionado. 

Me encanta la libertad creativa que rezuman estos 18 cortometrajes animados, realizados por muy diversos estudios de animación de distintas nacionalidades y que son, reflejo 100% de por donde va la cosa en el mundo de la producción audiovisual animada, más cercana al mundo videojueguil que al cinematográfico. Sólo hay que echar un vistazo a los estudios:

• Digic Pictures (Hungría): Guerra Secreta y Ice Age = Destiny 2 y Rainbow Six Siege
• Unit Image (Francia): Más allá de Aquila = God of War y Beyond Good and Evil 2
• Platige Image (Polonia): Noche de Criaturas Marinas = Metro Exodus y Dishonored
• Redo Culture House (Korea): Buena Caza = Overwatch y Voltron
• Blur Studio (LA): La ventaja de Sonnie, Trajes, Metamorfosis, la edad de hielo = Far Cry y Shadow of the Tomb Raider

Mención especial a la representación española: Alfredo Torres y Víctor Maldonado, diseñador de producción y director de una peli de animación que me encantó en su día, Nocturna. Una joyita que os recomiendo. Y que además, han currado con Guillermo del Toro y son los responsables del diseño de los portas de otra serie que me encantó, Trollhunters. 

Aquí, los españoles son los abanderados del humor, pues Torres y Maldonado se han encargado de dirigir las tres piezas más desenfadadas de la antología. 3 robots, yogur al poder e Historias Alternativas. 

La Guerra Secreta, Más allá de Aquila o Afortunados 13 me hacen darme de llebo con la teoriá del Valle Inquietante (cuanto más se parecen a los humanos más nos inquietan)

La ventaja de Sonnie tiene un momento tremendo durante la batalla de bestias, que representa una violación, que a mí me puso el corazón y las vísceras en un puño. 

La Testigo, tiene una portentosa animación, hiperfluída, creativa, colorida, cercana a un videoclip de Marilyn Manson y que emplea lenguaje narrativo del comic, como las onomatopeyas al más puro estilo Spiderman: Into the Spiderverse. 

Mano amiga: Un premio para los diseñadores de sonido. 

La Edad de Hielo: Bien recuerda al episodio de la Casa del terror de los Simpson en que Lisa descubre una civilización. 

Casi todas las historias han sido escritas por Philipp Gelatt y muchas provienen de novelas cortas a las que ahora, hay que hincarles el diente obligatoriamente XD

¿Qué plantea el hecho de que Netflix de un salto de fe con una antología así, repleta de violencia, gore y sensualidad? Con respecto a su competencia, la HBO. Ya hemos visto ejemplos de esto en Big Mouth, o en el anime de Devilman Crybaby. La una con experiencias sexuales adolescentes y la otra con directamente sexo y ultraviolencia. Netflix, como la vida, se abre camino. 

Doctor Who - (Casi) todo sobre: LA TARDIS

Qué magnífica es la TARDIS, la nave de la serie Doctor Who, que además de por el tiempo, también viaja por el espacio. Y qué porras… it’s bigger on the inside!! Así de chula es esa aparentemente pequeña cabina telefónica azul que tomó prestada El Doctor, el Señor del Tiempo de Gallifrey, para darse un paseo por el universo. Así comenzaba la relación del loco de la cabina con… pues eso, con la cabina.

CAPITANA MARVEL: Historia y Evolución

Captain Marvel ha llegado al MCU como mujer. Capitana Marvel. Pero el personaje original, que debutó en 1967, de la mano de Stan Lee y Gene Colan, era un soldado Kree llamado Mar-Vell. Puede que el personaje no sea tan icónico como Iron Man o Hulk, pero también cuenta a sus espaldas con más de medio siglo de historia.

Crítica: Kingdom Hearts III

No me gustaría alargarme mucho, pero es complicado. 14 años esperando este juego, pues la crítica, aunque comprimida, requiere de contexto.

Cuando hace unos años dije que me encantaría tener una PS4, me autoexcusé diciendo que era, principalmente para jugar al FFVII y al KHIII. Amortizada. Bueno y de por medio han llegado docenas de maravillas, claro está. 

Pero las expectativas con respecto a este título estaban por las nubes desde hacía muchos años. Bueno, más que las expectativas, las ganas de disfrutarlo, que leches. Más aún cuando el año pasado me repasé toda la saga gracias al bundle 1.5 + 2.5 remix, que incluía:

Kingdom Hearts Final MIX + Kingdom Hearts Re: Chain of Memories + (escenas cinemáticas en alta definición) Kingdom Hearts 358/2 Days

Kingdom Hearts II Final MIX + Kingdom Hearts Birth by Sleep Final MIX + Kingdom Hearts Re: Coded

Un bundle que por cierto recomiendo a los más jugones de la saga o a los que se quieran atrever con este KH III porque este juego es tan vasto que hay que estudiarse la historia con ganas y revivirla para tenerla fresca y no perderse ningún detalle.

Desde luego, ese es uno de los puntos fuertes de Tetsuya Nomura. Si bien no es un narrador majestuoso o innovador, sí que es de los que se compromete y ha cerrado la saga como dios manda, atando todos los cabos que habían quedado sueltos durante los últimos 17 años y más de una decena de juegos. Aquí hay referencias para parar un tren, a todos y cada uno de los juegos de la saga. 

Digo que no es innovador porque la historia que ya en el 2002 nos planteaba Nomura, cuando le dieron carta blanca para fusionar las sagas de Final Fantasy con los universos Disney, era una bastante básica. Una historia de amistad y de luz contra oscuridad que realmente hemos visto ya muchas veces. Pero la magia con la que está contada, lo carismático de sus personajes y los mundos Disney, han convertido a esta saga en toda una joya para más de una generación. 

Con el KH II en 2005 ya lo petaron. Madre mía, cuantos años hace ya que Sora salió de las iIslas del Destino. Cuando lo jugaba ahora de segundas en el bundle, de hecho recordaba aquel verano pegado a la PS2 de un amigo, en la playa, y hasta echaba de menos el doblaje castellano en el que Sora tenía la voz de Ash Ketchum. 

Y después, quizás llegó el bajón. El bajón en forma de desmembramiento, pues desde aquel momento, la historia de Sora y compañía, de la organización XIII, de Riku y Kairi, de Roxas, Axel, Ventus, Terra y Aqua, entre muchos otros, se nos iba a ir contando a través de muy diversos títulos y en distintas plataformas. Hacer seguimiento de estas aventuras se volvió cada vez más complicado. 

Pero ya digo, Nomura ha querido cumplir, y en este KHIII va cerrando todas y cada una de las historias planteadas a lo largo de todos aquellos juegos. Y ya digo, el que es muy fan, lo goza cosa bárbara. 

Vamos por partes. Esa historia. Pues sin desvelar mucho, partimos de donde se quedó la historia en Dream Drop Distance y continúa el camino del héroe de Sora, Donald y Goofy,¡ en pos de reclutar portadores de llave espadas para derrotar a Xehanort de una vez por todas.  La cosa arranca con un larguísimo prólogo, un KH 2.9 en el Olimpo de Hercules, para luego montarse en la nave Gumi (si, ha vuelto la nave gumi, pero os aseguro que es más divertida que nunca) y viajar a otros universos, como es costumbre. Esta vez, pasamos por la Caja de Juguetes de Toy Story, donde te lo pasas pipa combatiendo juguetes en Galaxy Toys, por el Reino de Corona, entrando de lleno en la vida de Rapunzel y siendo parte de la trama de la película, por Monstruópolis, visitamos Piratas del Caribe, Big Hero Six, el reino de Arendelle de Frozen o volvemos al mundo de Winnie the Pooh.

Además de otros lugares propios de la saga. Y todo esto, a través de un apartado gráfico espectacular. Y eso que la gente tembló hace unos años cuando se dijo que cambiaban el motor gráfico de este Action RPG o JRPG si lo consideráis un ARPG japonés. Bueno, lo que sea. El caso es que en lugar del Luminous Engine que Square usó en en FFXV por ejemplo, emplearon el Unreal Engine 4, algo que retrasó el lanzamiento del juego. Bueno, eso, el guion, los cambios de diseño… es lo que tiene cuando un título se cuece a fuego muy lento. De hecho a veces me pregunto si los mundos propuestos son los originales o han cambiado, porque BH6 o Frozen están a la vuelta de la esquina.

En fin, apartado gráfico. Pues eso, pese al cambio a Unreal, es una auténtica pasada. Le va genial además a los gráficos más infantiles y coloridos propios de la saga y de Disney. La verdad es que es espectacular el modo en que nos adentramos en las películas, ya digo, a veces en medio de la trama, reviviendo los acontecimientos de la película pero con Sora de por medio y otras veces, partiendo de un momento posterior a lo que hemos visto en la peli, lo que normalmente ocurre con títulos más antiguos o conocidos, como Hércules, Monstruos o Toy Story. Por cierto, como me alegro de la inclusión de Pixar y sus historias. Antes hablaba del carisma de los personajes, y es que si bien otras veces eran un poco de madera, en esta edición, te sientes como un niño interactuando con la perfecta recreación de Buzz Lightyear, o de Rapunzel, o de Mike Wasowsky… 

Ya me habría gustado tener una PS4pro para fliparlo con los 60fps que permite el juego, pero ya os adelanto que en una PS4 de toda la vida, se ve de perlas. Las escenas parecen extraídas de las películas o lucen incluso mejor. Los combates son alucinantes, por su dinamismo y por la cantidad de elementos en movimiento y los final bosses, lo más épico que nos han echado encima en mucho tiempo. 

Y es que lo de los combates tiene traca, porque en este KH se han añadido elementos de todos los juegos anteriores. El tiro certero, el modo acróbata… pero también distintas llaves espadas con múltiples transformaciones, la capacidad de equipar tres de ellas al tiempo, magias en forma de atracciones Disney… una auténtica locura que le aporta una riqueza sensacional a un juego que, precisamente se basa en la exploración y el combate.

Y por cierto, hablando de explorar, los niveles son de los más divertido. Algunos un pelón lineales, pero en general, bastante completos, con la particularidad de que ahora existe la verticalidad, pues le han proporcionado a Sora la capacidad de correr por las paredes para llegar a emplazamientos remotos en las alturas. 

Qué me queda… ah sí, el sonido. Pues igual de genial. Tanto a nivel de efectos, como de voces, sobretodo para los norteamericanos, claro, que siguen gozando de elencos originales Disney y de Haley Joel osment ya treintañero en el papel de Sora. Y con la música, qué decir, que los dos temas de Utada Hikaru, a la que esta vez acompaña Skrillex, son una maravilla, ya lo dije en el jukebox. Pero es que vuelve la compositora Yoko Shimomura, recreando temamos y temores de antaño y remezclándolos para ponerlos al día. Nos ponen los pelos de punta y hacen de este título el más épico de todos si cabe. 

Por lo demás, un juego de algo más de 30 horas, donde ya digo, se cumple con las promesas y se nos da un cierre en condiciones a este ciclo del buscador de oscuridad o ciclo de Xehanort, con una fase final que estoy por jugar, que comprende las últimas 6 o 7 horas y que dicen es una cuesta abajo sin frenos hacia la gloria bendita. 

Bumblebee: Crítica

Puede que Bumblebee sea para algunos la película de Transformes más pequeña hasta la fecha, pero sin duda es un maravilloso homenaje a los fans de la G1 de Transformers, a los originales de los 80 y a la propia película de animación de Transformers y su BSO.

Desde luego, el guion de Christina Hodson es una típica historia de “amigo mágico”, similar a ET en muchos aspectos, es también peli de mujer y mosntruo, como la Forma del Agua, que puede ablandar muchos corazones al tiempo que nos da dosis justas de batallas cibertronianas y un toque ochentero de los que deja buen regustillo. 

Tras 11 años soportando al bueno de Michael Bay, y tras el destrozo doloroso que me pareció el último caballero, a la saga le hacía falta un cambio de dirección. Y qué mejor modo de cambiar de dirección que cambiando al director? (chistaco y risas enlatadas)

Tras Transformers 3 el lado oscuro de la luna, Bay dijo que se bajaba literalmente de la montaña rusa que había creado. Y debió hacerlo. La Era de la Extinción dio un giro curioso e inconexo al universo fílmico, con aciertos y grandes errores. Pero ya digo, TF5 se cayó con todo el equipo y a todos los niveles. La película era más una atracción de feria que una experiencia fílmica.

Aire fresco. Ha llegado Bumblebee y con ella un nuevo punto de vista sobre estas máquinas cibertronianas que se disfrazan de vehículos. Puede que Travis Knight, el director de Kubo y las cuerdas mágicas, haya hecho la mejor peli de transformers hasta la fecha. Me debato entre la primera de Bay y esta. Esta es buena, pero tampoco es perfecta. 

Lo genial es cómo Knight nos ha dado una patada para que volvamos de golpe a nuestra infancia y a esos dibujos animados de los 80. De hecho, arrancamos la peli en un perfecto Cibertron, que a la par que nos recuerda al que veíamos en el mismísimo opening de los dibujos clásicos, nos recuerda por meternos de lleno en la crudeza de la guerra civil entre Autobots y Decepticons, que aquí las cosas están feas y que esto va en serio. Es la guerra! Una guerra adulta, brutal y sin piedad. Como último recurso, Óptimus Prime, el de toda la vida, el que tengo en la estantería desde niño, envía a B127, un soldado autobot a ocultarse en la Tierra y a prepararla como nueva base de operaciones. Pero Bee aterriza en pleno campo de pruebas militar con John Cena de por medio y claro, se le echan encima. Para más INRI, un decepticon aparece para darle caza y se lía parda. Bee sale victorioso, se queda mudo, desmemoriado, medio muerto, pero vencedor. Sin embargo no le queda otra más que recuperarse y para ello, se disfraza de VW escarabajo y se queda en Stand By. 

Y como si de una peli de Herbie se tratase, la Lindsay Lohan de turno, consigue hacerse con el escarabajo y llevárselo a casa como regalo de cumpleaños… sólo para descubrir que ese coche es “more tía meets the eye”. Más de lo que los ojos ven. Charlie se da de bruces mientras trata de reparar el coche con la realidad: Su coche es un alien metálico de 3 metros. Esto que a priori suena peligroso, a una chica cuya vida ha quedado destrozada tras la muerte de su padre, amante del heavy metal y de reparar coches, le parece más que genial. La amistad y casi el romance están servidos. Con el coche y con el vecino de Charlie, Memo, compañero de aventuras y pupas reconocido. 

Ya digo, puede que los fans de la saga de Bay, ansiosos de cine palomitero de 3 horas, de fuegos artificiales y adrenalina, acaben disgustados con esta historia, que deja un poco de lado las explosiones para centrarse en las interpretaciones. Yo soy más fan de esta iteración. Más intima, más pequeña y donde los héroes y los villanos se lucen más. Porque una vez en la Tierra sólo nos centramos en dos antagonistas, dos triple changer llamados Shatter y Dropkick, pero es que, aunque intervienen lo justo, por fin se les ve un desarrollo como personajes. Dos agentes enemigos que engañan al gobierno norteamericano para hacerse con el fugitivo al que buscan. 

Digo en la Tierra, porque el festival de Cibertron es glorioso por sí solo. No sólo es ver a Optimus, sino a personajes tan carismáticos como Arcee, Cliffjumper, Ratchet o Wheeljack en el lado autobot. O a Shockwave y Soundwave, con sus casetitos saliendole del pecho en el lado decepticon.

Y Bumblebee… cercano al de Shia Lebouf, pero mucho más carismático. Más humano, capaz de mostrarse dolido, triste, furioso… y hasta cómico. Qué pasa si sueltas un robot gigante en casa? Os acordáis de la escena en que Elliot iba a clase y ET pululaba por su hogar? Pues imaginaos a este transformer en la misma situación. 

Y los humanos tampoco son aquí meros adornos. Charlie conquista nuestros corazones y a la par es una gran heroina. Memo… ya lo he dicho, un pupas, pero quién no se ha enamorado como él de la vecina de al lado? Otis, el hermano pequeño de Charlie es eso… el típico niño rata porquero que al final, se convierte en el mejor guardián de la heroína. Hasta su madre y su padrastro tienen sus momentos (no como los padres de Witwicky). John Cena… me vale de militar y tipo duro medio tonto. 

No hacen falta dinosaurios ni caballeros artúricos ni leches. Esto es 100% Transformers. Una historia simple, no carente de problemas de ritmo, pero que no se hace pesada y que, además, se entiende. 

Lo mejor es que como precuela, puede encajar perfectamente en la mitología creada durante estos 11 años por Bay y encima, su humanidad es fiel a los Transformers que todos disfrutamos y como cambio de curso, como corrección, es más que eficiente.

Un perfecto comienzo para una muy prometedora nueva era. 

Crítica: Mary Poppins returns

No es una película para el 2019. Pero es una bella obra. El “problema” es que es una cinta inocente, sujeta a las fórmulas de antaño. 

LIN MANUEL MIRANDA es sin duda de lo mejor de la película, sobretodo cuando se ve en versión original donde este chico, más cantante que actor (de hecho más compositor), y de hecho más rapero que las dos anteriores, brilla con luz propia. Su voz y su manera de moverse son 100% broadway y a la par son muy personales. Tanto como para destacar. Y mola su papel de Jack, el sobrino y aprendiz de Bert, un adulto con corazón de niño que conoce bien la magia de Mary Poppins y sirve por tanto de nexo de unión del mundo mágico y las calles de Londres. 

Si bien la historia es original, hay guiños al segundo libro de PL TRAVERS, en el cual también traían a Mary Poppins cometa mediante o se internaban en un cuenco de cerámica. Solo que aquella historia no sucedía sino meses después, y por tanto los protagonistas eran los mismos Jane y Michael Banks, y no su descendencia. 

Mary Poppins Comes Back fue la segunda de 8 novelas, escrita por Travers en un momento de éxito claro. La última la escribiría ya con 90 años. Y me da qué pensar si Disney no pretende (de seer la película un éxito) alargar un poco más el rollo y convertirlo en franquicia. Ese final… qué triste es ser la Poppins. 

Lo que sí es original es la BSO de Marc Shaiman y Scott Wittman, que es deliciosa, sobretodo en su versión original. Es un insulto quizás compararla con los temas originales de los hermanos Sherman y a priori no calan igual, pero también tienen la ventaja de llevar más de medio siglo resonando en nuestras cabezas. Reto: Adaptar estas nursery rhymes, estas canciones con juegos de palabras tan enrevesados al castellano del 2019.

Jane está metida en política, pero muy de refilón. Se ve que no están las cosas en este 2019 como para andar tocando según qué fibras sensibles. 

Mis dudas sobre Emily Blunt: Desaparecidas tras un par de escenas. Es algo más seria que Julie Andrews y mi corazón siempre estará con aquel gag de SNL en el que Anne Hathaway encarnaba a la niñera. Ese ene l que explicaban que supercalifragilisticoexpialidoso era una enfermedad del hígado. Anne era perfecta para el papel. Pero curiosamente ha sido su compañera de reparto en El Diablo Viste de Prada quien consiguió el papel y, por su amplio espectro interpretativo, la Blunt me ha sorprendido, no puedo negarlo. Ya la habíamos visto capaz de lo más dramático en la chica del tren y también de dominar el musical en Into the Woods. Y también ha creado su propia Mary, sin tener que verse restringida a lo que Julie Andrews hizo en los sesenta. Esta es una Mary más oscura, más triste, más adaptada a la Gran Depresión y al drama que supone que Michael enviude y no pueda gestionar su vida familiar como debe. Pero también es una Mary más picarona, más espaciada y menos edulcorada, que sonríe de forma especial, que está emocionada por volver al hogar de los Banks y que, con esa media sonrisa y esas miradas suyas, parece esconder secretos y una vida de aventuras oculta en esos 25 años en los que no se la ha visto. Parece la misma Mary, pero el tiempo, sin duda, también ha pasado para ella. 

Ben Whishaw algo falto de carisma sumido en su propia Gran Depresión y a Emily Mortimer, que tanto me gustó en la Librería de Coixet, la tienen infrautilizada. 

Rob Marshall, de bailarín en Broadway (Cats) a coreógrafo y a director de cine (Piratas del Caribe) y Chicago. Mary con peluca en The cover is not the book, es un homenaje a Chicago? Sin duda el listón estaba muy alto. No se han esperado 55 años para traer de vuelta a Mary por nada. 

La peli ejerce como secuela, y en cierto modo como reflejo, más que remake, como réplica de la cinta original. La visita al mundo de porcelana como paralelismo al mundo de tiza de Bert, el encuentro con Topsy y su mundo del revés, como respuesta al flotante tío de Bert, las andanzas de los faroleros son un guiño a los bailes de los deshollinadores. Es un homenaje. Uno que a muchos no les dirá nada y a otros les dejará con ganas de revisitar el original.