sábado, 5 de mayo de 2018

BATMAN NINJA - Análisis


Empecemos diciendo una gran verdad, aunque a muchos les duela. Para muestra un botón. El MCU ha dominado las carteleras de los cines durante la última década y sigue haciéndolo con estilo. Mientras, DC y Warner sólo han hecho fusiles intentos por competir con Disney y Marvel.

Peeeero! Sí, hay un pero. Y para mí eran las pelis animadas de DC. No todas, hay que decirlo. No son maravillosas. Algunas, como la muerte de Superman (que por cierto, vuelven a producir ahora en versión post new 52, supongo), dejaban mucho que desear. El All Star Superman quedó en agua de borrajas. La peli de la JLA que presentaba su contrapartida Tierra 2 versión Morrison… meh… ahí ahí. Pero bueno, siempre han sido entretenidas, y aunque no han gozado de la mejor animación del mercado, han sido, en su terreno, el animado, muy superiores a los intentos animados de Marvel.

Ahora bien. Esta Batman Ninja riza el rizo con una calidad, una vistosidad, un ritmo y una historia a lo Otros Mundos o Elseworlds que quita el hipo. Su guión no es tan bueno quizás como el de Gotham By Gaslight, pero funciona. De la mano de quien llega esto? Pues de Takashi Okazaki, que a los más otakus del lugar les sonará por ser en creador de Afro Samurai. Y de Okazaki son los diseños de los personajes que aparecen en este nuevo film animado del hombre murciélago, quizás el más artístico que hemos disfrutado nunca. 


Si bien la premisa resulta divertida e interesante, el guión de Kazuki Nakashima no se queda atrás y la desarrolla con genialidad, sumergiéndonos en una historia que no sólo va a gustar a los bat-fans sino que además hará las delicias de aquellos que disfrutan con la cultura japonesa, mezclando en la historia elementos típicos de ésta, así como del manganime. El shogunato, los daymios, la leyenda del dios mono, clanes ninja y hasta mechas… todo se entremezcla aquí a ritmo vertiginoso.

La excusa para poner a batman en el Japón feudal? Una máquina del tiempo ingeniada por Gorilla Grodd y un experimento en pleno Arkham Asylum frustrado por el propio hombre murciélago y la batfamilia, que mandará a estos y a los criminales más buscados de Gotham al pasado nipón.

Por cuestiones de física cuántica, nuestro amigo Bruce aparece dos años después que sus rivales, quienes se han repartido la isla y están en guerra por dominarla. A saber: dos caras, poison ivy, deathstroke, el pinguino, grog y por supuesto Joker y su inseparable Harley Quinn. Junto a Bats tenemos a toda la colección de Robins del mundo. Robin, red Robin, Red hood y Nightwing. A Catwoman que andaba por allí hurtando. Y curiosamente a Alfred, que ha trasladado la batcueva a la huerta japonesa y ha mantenido el batmóvil engrasado y listo para el combate. Pero es cuando Batman pierde su querido vehículo y su tecnología futurista y acepta el camino del ninja, cuando las cosas se ponen interesantes. 

Batman se unirá a su batfamilia y al clan del murciélago, que les esperaba (como anunciaba la profecía) para combatir a los criminales y en especial al joker en una de esas luchas sempiternas que trascienden su relación héroe-villano.

Luchas a katana, batallas en barco a lo one piece, combates ninja dignos de Naruto… todo animado en 3D mediante cell shading, al más puro estilo Poligon Studios, (Ajin y Knights of Sidonia, Blame o Godzilla) lo cual le aporta un detalle impresionante a la imagen cuyo diseño mezcla los trazos más típicos del manga con los elementos más tradicionales del sumi-e y la caligrafía japonesa. Una celebración del arte nipón con mayúsculas. Una autentica obra de arte. Qué decir de un estilo hiperdetallista en el que hasta el cielo es una preciosidad.

Cada personaje se ha recreado al más puro estilo ninja/samurai. Joker es una especie de actor de Kabuki que representa un Oni, Red Hood es un monje, Bruce Wayne se hace pasar por evangelizador cristiano de la época (The Hidden) y hasta Bane aparece como sumotori.

Cons: Algunas escenas van forzadas. Es raro ver a Bruce Wayne viniéndose un poco abajo cuando ve que sus gadgets no funcionan. Porque Batman es ante todo detective y Ninja y luego tecnólogo. Y estas escenas un poco forzadas que trastabillan, llevan a algunos diálogos también un poco tontacos. 

Pero en general, son unos 80 minutos frenéticos y visualmente impecables que nos transportan a una fábula magnífica y un homenaje a todos los géneros típicos del país del sol naciente. Un experimento que podría haber sido un mejunje extraño… pero ha acabado siendo redondo.  Si os gustan los comics, el personaje, el manganime, los videojuegos, la cultura japonesa y su mitología… sea como fuere, esta peli es de obligado visionado. 

Por cierto, destacar el trabajazo en la versión americana de Tony Hale que casi casi nos hace olvidarnos del mítico Joker en animación, el gran Mark Hamill. 




jueves, 3 de mayo de 2018

Vengadores: INFINITY WAR - Análisis


Fui tristón a verla porque Doña Conchita Casanovas, mi querida crítica de RNE, la tachó de ensalada y de penosa cinta que desaprovechaba a algunas de las más grandes estrellas de Hollywood. 

He de decir que comprendo el punto de vista desde el cual Conchita analiza esta Infinity War, porque como película aislada y desoyendo las anteriores 18 películas del MCU, pues tiene sus taras, pero huelga decir que esta es una pieza clave dentro de este universo y que ha de entenderse como tal. 

Nos estamos acostumbrando a estos crossover cinematográficos y, sin embargo, en cierto modo tuve la ilusión al ver esta Infinity War, que me causó la primera Vengadores. Por otros motivos quizá, pero ver la conexión Iron Man - Spidey o Iron man - Doc Strange es genial. 

Infinity war es el perfecto "finale" de una primera temporada de una serie. Desde el principio comienza a tope y muy en serio. No nos dan un segundo para tomarnos a broma la película. Ni Thanos ni la Orden Negra tontean. Son un ejército ordenado que cumple objetivos. Y aunque al final resultan vulnerables (es verdad que en los comics son algo más poderosos) a mí me gusta la guerra que le dan a los Vengadores. Aunque es cierto que la muerte de Ebony Maw es un poco fugaz, está bien encajada. 


Comento más ideas por personajes: 

Hulk: El primer enfrentamiento de Hulk y Thanos ya da una idea del poder del Titan azul. En el comic sucedía algo similar pero era Estela Plateada el que era enviado a la Tierra vapuleado para avisar de la llegada de Thanos. En todo caso, es un defensor por otro :D

Thanos: Es la primera vez que nos enamoramos así de un archienemigo. Es humano y casi casi empatizas con él pese a sus planteamientos fascistas (aunque prácticos, admitámoslo, sobra gente en el mundo). Es casi el protagonista de la cinta y su trama se va construyendo desde el principio de ésta, alcanzando un clímax importante en su búsqueda de la gema del alma. Después de esa prueba de fuego, comienza su verdadera guerra y su descenso a los infiernos. 

Visión y Wanda: Supone una de las relaciones más interesantes de la película. Me encanta las pruebas a las que les someten. Wanda se ve forzada a elegir entre su amado y la salvación del universo. Algo similar ocurre entre Peter Quill y Gamora en un momento dado. Por cierto, hablando de la Visión, es muy chulo el momento en que Thanos le arranca la gema del alma y se queda descolorido, como lucía el personaje en los comics de los Vengadores Costa Oeste. Ahí la visión había renacido pero con la mente borrada y reprogramada siendo más androide que humano. Algo que puede pasar en el MCU.

Thor: Está por los suelos. Su trayectoria ha sido muy interesante. Ha pasado de dios a guerrero galáctico y a ir perdiéndolo prácticamente todo. Aquí está por los suelos. Exiliado, sin un pueblo al que guiar, sin un arma, ni padres ni hermanos, ni amigos (Pobre Heimdall nadie le llora). Y tiene sed de venganza. Vemos la creación del hacha Stormbreaker que creó Odin para Bill Rayos Beta y que, por cierto, es muy parecida a la de Thor en el universo Ultimate.

Nébula: Nébula era convertida en un trozo de carne zombificado en el comic, que Thanos mantenía en su sala del trono de exposición. Y es precisamente ella la que recupera el Guantelete y trae a la vida a los héroes desaparecidos a manos de su Padre. Cabo suelto… ¿tendrá un papel fundamental en la próxima película de la saga?.

Lobo Blanco/Bucky: En los comics, el lobo blanco es el hermanastro de T’challa, el espía de Wakanda. Parece que le están haciendo un hueco a Bucky en el país africano. 

Capitán América: Steve Rogers viste un traje dicen similar al de Nómada. Pero a mí me recuerda más al USAGENTE de John Walker. Hay que decir que ahora mismo en la continuidad Marvel acaba de volver a ser Nómada en vengadores: Back to basics. 
El escudo nuevo del Capi nos recuerda al original de los comics. Por cierto genial tal cual en los comics o casi, el momento Capi Vs Thanos como último vengador en pie.

Otros datos de interés: 
  • Llevó casi un año de rodaje (entre las dos partes)
  • Aparecen 64 personajes principales
  • Dura 156 minutos: Es la película más larga del MCU tras Civil War
  • Se rodó en los Pinewood de Atlanta.
  • Su primer trailer batió un record de 200 millones de visitas en 24h. 
  • Ruffalo convenció a Brolin para interpretar a Thanos (también es Cable, dos personajes Marvel en uno :D)
  • Los Russo confirmaron que la Capitana Marvel saldría en esta cinta. Pero luego Joe lo negó.
  • Varios actores recibieron guiones falsos. Salvo sus escenas. Por ejemplo a Tom Holland le mandaron guiones capados para que no se fuera de la lengua como hizo con Homecoming. Con Marc Ruffalo pasó un poco igual. El único que lo leyó entero fue Chris Evans.
  • Infinity War está basado en el Guantelete del Infinito del 91, la Guerra del Infinito 92 y Thanos Imperative de 2010. 
  • El momento “Coleccionista” y la gema de la realidad mola mucho. Me faltó Howard el pato (aunque había por ahí un personaje/cameo de Parks and recreation, guiño de los Russo que dirigieron algunos episodios)
  • El momento Thanos partiendo en cubitos a Drax y en tiras a Mantis es exactamente igual a los comics, solo que los afectados fueron Eros (Starfox) y Nebula. 
  • Groot juega al Defender de Atari, defendiendo el planeta de invasores extraterrestres
  • Red Skull no es Hugo Weaving
  • El final es tal cual en los comics cuando Thanos trata de vivir una vida tranquila como granjero sólo que Thanos era vencido antes de aparecer ahí. 
  • También en los comics la mitad de los héroes desaparece.
  • Protocolo A-17: Spiderman, en un número 17 del comic, Peter muere al intentar salvar a una madre y su hija y en la otra vida se encuentra precisamente con Thanos. Y con lady Death, que se apiada de Peter y le resucita.  
  • Warlock???? Hubiese sido un momento chulo para una entrada triunfal.
  • Un tono muy bien medido. De la epicidad al humor y de ahí al drama. 
  • Sabemos que estamos cerca del fin de una era.
  • Y Hulk? Por qué no aparece combatiendo en Wakanda si en el traíler lo hacía? Misterio misterioso.

miércoles, 18 de abril de 2018

Entrevista a Stan Sakai (Creador de Usagi Yojimbo)

Gracias al Salón del Comic de Barcelona y a los compañeros de Hello Friki Podcast, he tenido ocasión de entrevistar al maestro Stan Sakai, autor de origen japonés afincado en Estados Unidos que, desde hace más de 30 años, escribe y dibuja las aventuras de Usagi Yojimbo.


Reseña: EL REGRESO DEL HALCÓN ABEJERO (Aimee de Jongh)


EL REGRESO DEL HALCÓN ABEJERO (ponent mon 160 pags)

Hoy traigo una novela gráfica que lleva ya un par de años en el mercado y que, sinceramente, es una de esas historias que me atraen y que me hubiese acabado comprando llegado el momentoPero es que hace un par de meses hubo un desencadenante que me hizo hacerme con ella. Tuve ocasión, en la pasada Heroes Comicon de Valencia de conocer a su autora, la joven holandesa Aimee de Jongh. 
Hablo, de hecho de la única novela gráfica de esta muchacha: El Regreso del Halcón Abejero. 

El libro nos acerca las andanzas de Simon un tipo de treinta y tantosdueño de un negocio familiar muy especial. La antigua librería que antes fuese de su abuelo y de su padre. Desgraciadamente el negocio no va todo lo bien que debería así que le toca venderle la tienda a una cadena a lo Casa del Libro. Algo que Simon no quiere. Por eso trata de vender todo el stock que le queda para salir del paso. 

Todos esos libros, elementos importantes de la historia, los tiene almacenados en una cabaña en medio del bosque y, en uno de los viajes a la cabaña, Simon observa a una mujer que comete suicidio plantándose en medio de las vías del tren. Simon trata de detenerla, pero su cuerpo no reacciona. Este hecho, no sólo es traumático de por si, sino que hace que la mente de Simon comience a despertar de un largo letargo y le haga viajar a su infancia para revivir recuerdos de su mejor amigo, Ralf y de cómo su relación acabó también con el fallecimiento del joven.


Lo interesante de la historia es ver cómo el suicido de la mujer es un desencadenante que hace que salgan a flote todos esos recuerdos reprimidos en la mente de Simon. El trauma llama al trauma. Y de algún modo, pasado y presente comienzan a entrelazarse. La repetición y la variación se convierten en guías de la historia. 

Aimee de Jongh explora en profundidad estos dos momentos traumáticos de la vida de Simon a través de sus gestos y las posturas, por cómo se relaciona con su entorno y, extradiegéticamente, mediante el modo que tienen las viñetas de componerse en las páginas, haciéndonos saltar casi sin darnos cuenta de un momento a otro de la vida de Simon, haciendo que la narración fluya gracias a ese diálogo entre tiempos pasado y presente que se reflejan como en un espejo.

No quiero profundizar más en el guión, porque lo suyo es descubrir esta historia por uno mismo y disfrutar de las sorpresas que esconde. Giros que nos hacen explorar la mente de Simon y ver junto a él lo insatisfecho que está, pues heredó la tienda de su padre como promesa en su lecho de muerte, en lugar de estudiar ornitología que era lo que más quería. O en lo sentimental… bueno, digamos que no está todo lo a gusto con su mujer como él querría.  

Estos giros y sorpresas que El Regreso del Halcón Abejero se guarda en la manga, muy a lo Shiamalan, hacen que llegado al final del libro eches la vista atrás y vuelvas a analizar muchas de sus escenas con otro punto de vista. Y eso, a mí, tanto en cine como en literatura o al leer comics, me fascina. Cómo un simple acto final, modifica todo tu punto de vista con respecto a la historia que estás disfrutando, para bien, o para mal. 

Aún y con lo que pueda parecer, la historia de Simon, por muy fría que pueda ser la disección de Aimee de Jongh, es una historia de positivismo, de lucha para avanzar un paso más. Porque a veces, esos recursos que tiene la mente en los momentos más oscuros, pueden volvernos locos por completo… o pueden ayudarnos a seguir adelante. 

El estilo de Aimee de Jongh es bastante realista, cinematográfico a veces, sólido, sencillo y en ocasiones, curiosamente, me recordaba al trazo de Katsuhiro Otomo, cruzado con ilusrtaciones a lo Pixar, aunque algo más sucio. Eso sí, ya digo, sabe crear un muy interesante diálogo entre viñetas. Entre páginas incluso. Cada imagen, cada ángulo, cada punto de vista, tiene un por qué en la narración. 

Maravillosas son también las ilustraciones que hace de la naturaleza que también posee su importancia en la historia, especialmente, los halcones y las abejas. 

En definitiva, el regreso del halcón abejero, pese a ser la primera novela de Aimee de Jongh, es una historia muy disfrutable. una de esas de traumas que conforman ya casi un género, que mezclan fantasía y ficción y juegan con la mente del protagonista y la del lector. Yo ya, soy fan de esta chica y la seguiré. 

miércoles, 11 de abril de 2018

Reseña: LA ENCRUCIJADA (Paco Roca)


LA ENCRUCIJADA: Astiberri. 168 páginas

Los que me conocen lo saben. Soy muy fan de Paco Roca. No sólo disfruto cada una de sus historias. Es que he seguido sus cursos de comic. Porque de algún modo ese autor es lo que me gustaría ser si me dedicase al mundo de la historieta. Y encima, como persona, no tiene precio. 

Refrescando la memoria de nuestros oyentes, Paco es ese hombre en pijama que no sólo nos cuenta sus andanzas de vez en cuando, sino que llegó al corazón de muchos gracias a su obra Arrugas, que además se convirtió en largometraje animado, obra dedicada a la tercera edad y a quienes padecen Alzheimer, tanto en primera como en tercera. Nos maravilló a los fans del tebeo con El Invierno del Dibujante. Nos fascinó descubriéndonos historias olvidadas de la historia con Los Surcos del Azar. Abrió su corazón y sus memorias para nosotros con La Casa… y así un largo etcétera de obras maravillosas.

En esta ocasión, el último trabajo de Roca, La encrucijada, es algo distinto. Ligeramente distinto primeramente por su formato. Porque se trata de un CD-Cómic. La Encrucijada es un tebeo, pero también posee en su interior un disco, creado por José Manuel Casañ de Seguridad Social, y ambos, libro y disco, están muy vinculados y nos cuentan en conjunto una maravillosa historia. La de la música “latina” por el mundo.  Digo latina porque este es un concepto que fue mutando a lo largo de la historia que nos plantean Roca y Casañ. Tambores de guerra abre el CD con el batir de los tambores africanos y, desde ahí, nos trasladamos a Nueva Orleans, a Cuba, a España… jazz, rumba, rock… MÚSICA. 

Pero La Encrucijada no es sólo una historia musical. Es un recital en toda regla sobre lo que supone la creación. Música e ilustración. Construir, crear para expresar y para hacer sentir. Cómo se crea. De dónde surgen las ideas. Cómo evolucionan. Qué significan. Cómo nos afectan. Todo esto y mucho más es lo que se plantea el propio Paco Roca que surge de nuevo en sus propias viñetas, sin pijama esta vez, plasmando ese proceso creativo. El mismo proceso que llevó a crear este libro. Como si de un making of se tratase. la incapacidad de Paco y de José Manuel para crear una obra conjunta es lo que se convierte en el propio hilo narrativo del libro.

Desde la primera página, Paco nos relata el modo en que surgió la idea de La Encrucijada. Cómo comenzó a colaborar con José Manuel. Cómo cada uno llevaba un ritmo y un camino. Como se sincronizaban al principio para luego moverse a distintas velocidades en el proceso creativo, alejándose sus caminos y habiendo de reencontrarse a posteriori. Eso es el proceso creativo. Entender lo que se quiere transmitir y buscar el camino para hacerlo, indistintamente del medio. 

En cierto sentido, el planteamiento me recordaba a la novela gráfica Los Ignorantes de Etienne Davodeau, (que por algo se subtitula Relato de una relación cruzada) en la que el autor quería aprender sobre el proceso de creación del vino de su mejor amigo y éste, aprender sobre el proceso de contar historias a través de la viñeta y, al final, ambos caminos se cruzan. Aquí sucede algo similar pero con la industria discográfica y el mundo del comic. Paco y José Manuel acaban cruzando sus caminos, aprendiendo el uno del otro, planteando un diálogo y escuchándose mutuamente para crear esta obra en la que música e ilustración se combinan.


En lo visual, Paco se supera. En general, siepre que nos narra su proceso creativo lo hace en forma de diario visual donde él y José Manuel son protagonistas, ilustrados con el estilo limpio y sencillo característico de Roca.

Pero luego, cada canción del disco se ve reflejada en las viñetas a modo de separador entre episodios. Cada una es una pequeña historieta dibujada con un estilo totalmente distinto. A veces cartoon, a veces hiper realista, al estilo de los años 50, homenajeando al clásico TBO español, al underground (especial mención … Paco Roca juega con su trazo, experimenta, y nos demuestra su talento como dibujante.

Una gozada. Un gran discurso sobre el proceso creativo, sus idas y venidas. Y sobretodo, una experiencia muy divertida y multisensorial.

lunes, 2 de abril de 2018

Akira Toriyama: Más allá de Dragon Ball




Saludos Frikipilleros. Hoy venimos a hablar de uno de los grandes maestros del manga. Hay nombres que pueden sonarnos. Otros que se nos olvidan. Pero si decimos Dragon Ball, nuestra mente automáticamente nos responde: AKIRA TORIYAMA.

Pero frikipilleros, Sensei Toriyama no es sólo Dragon Ball. Por eso hoy veremos la trayectoria del mangaka, desde Magic Island, a dragón Ball Super. 

viernes, 23 de marzo de 2018

MUTE: Análisis

Como estoy paupérrimo, parece que últimamente sólo comento películas de Netflix. Nada más lejos de la realidad, pero si traigo Mute a la palestra es porque es una cinta que esperaba desde hace años y en la cual tenía puestas muchas esperanzas. Si la hubiesen estrenado en el cine, allá que hubiese ido.

Pero ha dado el salto a la plataforma digital. Por si alguno aún se lo pregunta o la desconoce: Qué es MUTE? Pues es la última película del que para mí era un gran cineasta pero cuya carrera veo que últimamente va dando algunos tumbos. Duncan Jones, el hijo de David Bowie. 



Duncan nos regaló en 2009 la excelentísima Moon, con un Sam Rockwell en estado de gracia. Luego me sorprendió cosa mala con el thriller de ciencia ficción Código Fuente. De repente, torció hacia el blockbuster con Warcraft, el origen. La cual ni aún siendo fan de los primeros juegos de Blizzard, me convenció. Más bien me dejó muy frío. Por eso esperaba con tanta gana este Mute, porque antes de Warcraft, Jones ya había presentado algún concept art de lo que aparentemente tenía aires de peli noir futurista a lo Blade Runner. Y me encajaba completamente con el director. Pero de nuevo, ha sido un poco un zas! En toda la cara.

 Le achacamos esto a que la época en que Mute fue concebida ha sido una etapa dura en la vida de Duncan Jones, debido a la lucha de su mujer contra el cancer o a la muerte de su padre? Podría ser que hayan quedado cicatrices en su espíritu y eh, es un artista y esas cosas se notan. MUTE debería haber sido una magnífica obra. Y al mismo tiempo, ya puestos, el modo de redimirse de Warcraft. Porque ya digo, Jones le ha dedicado mucho tiempo y pasión a esta criatura suya. Pero no ha sido así.

 

Analicemos los problemas de esta película. El primero y más grave tiene nombre y apellidos y se llama Alex Skarsgard. Sí, ya lo siento, pero este gigantón que hace de amish mudo de esos que pierden las cuerdas bocales porque una lancha les rebana el cuello, no transmite. La búsqueda de su novia Naadirah, desaparecida en el Berlín del año 2058 se convierte en una llenísima y aburrida secuencia de miradas, respiraciones y gestos acartonados que nada transmite y que curiosamente te sume en el sopor. Y es una pena porque el personaje en sí mola y como inamginaréis, sus tradiciones amish contrastan sobremanera con el mundo noir futuro de neones en el que se desarrolla la historia. Mientras los coches vuelan, Leo usa un viejo mercedes, talla en madera, dibuja en una libreta, viste como a principios del siglo XX frente a los trajes sintéticos de sus congéneres. Le vemos aprender a conducir, usar un móvil por primera vez o tratar de sacar su primer selfie. Pero no se le saca más partido que ese. 



Menos mal que hay una pareja de militares norteamericanos, Cactus y Pato, interpretados por Paul Rudd y Justin Thieroux, que levantan el tono de la peli con diálogos socarrones y un cierto humor negro. Pero tampoco lo levantan tanto. Y encima, la diferencia de ritmo entre la historia de Leo, el personaje de Skarsgard y la trama de estos dos, hace que la peli trastabille por momentos. El caso es que resulta molón, eso sí, ver al buenazo de Paul Rudd que parece que nunca ha roto un plato en el que quizás sea su primer papel de malote. Un personaje gris, porque estos dos ex militares eran cirujanos de guerra en Afganistan y Cactus (el cirujano con nombre de super nena) tiene aún una cierta moral, muy pervertida y siniestra, pero la tiene, aseo como el amor por su hija. En el caso de Theroux, interpreta a Pato, uno de esos personajes que tienen algo creepy que no llegas a detectar pero que te ponen los pelos de punta. Un tío de esos que son mu majos, que sabes que tienen un lado muy oscuro, pero que no llegas a saber qué ocultan.

Volviendo a Leo, lo cierto es que últimamente hemos visto detectives futuristas de muchas clases en pelis como Blade Runner o series como Altered Carbon, pero nunca un ilustrador amish mudo que se patee las calles en busca de su amada, camarera como él en un club del Berlin futuro (con drones que reparten comida y que son el sueño húmedo de Amazon). Un club en el cual algunos le ponen las manos encima a la moza, una cosa lleva a la otra, violencia gratuita y chica desaparecida. Por cierto, tristemente desaparecida porque era otro personaje misterioso bien interesante. Poco más.

Lo dicho, un sinsentido un poco random, dos horas y seis minutos de idas y venidas por una oscura Berlín futurista demidecadente y repleta de burdeles en las que lo único que quieres es que el prota no aparezca o que cuando lo hace diga algo. Ves? Eso no pasaba con la forma del agua.

Si hubiese funcionado como debía, Mute habría sido el mejor ejemplo de que el mecanismo Netflix que permite un cine de autor potente, funciona. Pero Bright, Cloverfield Paradox, Mute y Annihilation… demuestran que algo falla. Viejos guiones que acumulan polvo en un cajón porque todo Dios los rechazó están teniendo su oportunidad gracias a la plataforma de pago? Espero que no.

martes, 20 de marzo de 2018

Secret of Mana: Análisis

Secret of mana es un arma de doble filo. Por un lado, parte del hecho de que, quitando la saga Final Fantasy, es el primer RPG de Square digno de un remake. Habiendo debutado en el verano del 93 para Super Nintendo, en seguida fue un éxito de masas. Así, antes de su inclusión el pasado año como parte del catálogo de la hornada de juegos de la SNES mini, es natural que Square se plantease el remake de una de las joyas de su corona. En teoría esto tendría que gustar a los que somos de la old school, pero también a las nuevas generaciones. En teoría…

El Secret of Mana de 2018 comienza como lo hiciese hace 25 años. Con una pantalla en negro y un logo sencillo en blanco que luego nos muestra a los tres héroes del juego, minúsculos frente a un colosal árbol. La música orquestal sube de volumen y nos prepara para el viaje. Es la misma melodía de Hiroki Kikuta que ya sonase en el 93, pero comparada con la música sintetizada de los 16 bits, suena épica.

 

Después, el juego comienza y muchos gamers, adaptados ya a la nueva generación de consolas y casi a la espera ya de la siguiente, se sienten decepcionados. Los gráficos… los gráficos están… bien. Son 3D, sin duda. Una mejora con respecto a los píxeles de antaño. Pero no es el 3D al que nos tiene acostumbrado Square. Esto no es un Final Fantasy. Los personajes son sencillotes, no mueven los labios al hablar en las cinemáticas, a veces se superponen unos a otros, fundiéndose sus polígonos… casi como si fuese un juego de la PS2. Pero muy limpio, eso sí. El motor gráfico del juego no va a forzar vuestras PS4. Ni siquiera vuestras PS VITA.

Pero no nos equivoquemos. Para mí, precisamente un error en el que ha caído mucho RPG reciente es en el volcarse en la belleza estética (que SOM la tiene, ojo, a su manera) y olvidarse de la historia o de la mecánica de juego. Aquí la aventura y los personajes, el espadachín Randi, la valiente Prim y el pícaro elfo Popoi, funcionan a las mil maravillas y hacen las delicias del jugador amante de los juegos de rol en estado puro, como ya lo hicieran en los 90. La historia no es lineal. No se trata de pasar una misión tras otra. Hay objetivos, sí, pero vuelves a disfrutar de esos mapas en los que te pierdes, de esas mazmorras interminables, de los monstruos puñeteros que invaden la zona… RPG en estado puro.

Y luego, los detallitos. Todos los diálogos, TODOS, están doblados, tanto al inglés, como al japonés. Yo prefiero las voces niponas por ejemplo que van muy con la estética anime del juego. Y traducidos y localizados al más puro castellano, claro, con expresiones como Churri, nasti de plasti y similares, acorde con el modo de hablar de cada personaje. Además, Square nos da la opción de jugar con los nuevos arreglos musicales o con la banda sonora de la Supernintendo.

La historia no ha cambiado. Randi por cosas del azar encuentra una espada mágica, pero al sacarla del río, desata terribles bestias movidas por la magia del Maná. Por eso es expulsado de su pueblo y emprende un viaje para acabar con estas criaturas y con su problema de una vez y para siempre. Uno de los grandes aciertos del juego es que si juegas con dos amigos más, puedes controlar a los 3 personajes en cooperativo. Si juegas sólo, te siguen automáticamente y atacan según les estipules, pero con amigos, las estrategias, la exploración, el combate… todo se vuelve mucho más dinámico y divertido.

Contras: A nivel gráfico lo dicho. Esos personajes superponiéndose y con un 3D un poco básico aunque supernítido y que fluye a velocidad de vértigo. A nivel de juego, los menús de inventarios son un poco desastre y hacerse con ellos lleva un rato. Sobretodo cuando en batalla tienes que manejarte a toda prisa. No seré el primero que le de al icono de cubo de basura por error y borre el inventario… 

Mejoras: El auto guardado que no tenía la versión del 93 y lo hacía bastante más puñetero. Y un diario de juego que te da indicaciones sobre dónde ir a continuación, porque anda que no me he recorrido yo bosques entre Pandora y el ombligo de Gaia p’alante y p’atrás. No digo nada cuando dispones de tu dragón personal para moverte más rápido por el vasto mundo. 

El minimapa es un detallazo, porque aunque todo es en 3D, el minimapa te muestra el entorno conservando los escenarios pixelados originales.

En definitiva: Los puristas van a estar más a gusto y a alimentar su nostalgia mejor con la versión HD de la Supernintendo Mini. Para ellos, no hay mejoras suficientes que justifiquen la compra de este título. Para los que se inicien en Secret of Mana, que no hagan caso a los gruñones viejóvenes. Este RPG tiene la magia de los títulos de antaño que yo tanto echo de menos. Son 30 horas de puro gozo. Y además tiene una narrativa que pasa de positiva y colorida a sorprendentemente terrorífica y oscura. Puede que se de el efecto Aerith por aquí.

No digo más. Secret of mana es el juego que era y un poquito más. Podría haber sido mucho más dadas las capacidades de las consolas en 2018? Pufff, ya ves. Aún y con ello, es una aventura memorable.

domingo, 18 de marzo de 2018

Dragon Ball FighterZ: Análisis

Quien no conoce Dragon Ball? Manga, anime, merchandising… y videojuegos. Unos legendarios, otros infames. Este Dragon Ball Fighterz, al menos para los fans de la franquicia, es de los primeros. Juegazo que tenía un hype de un año casi.

Los juegos más recientes de Xenoverse parece que estaban dejando un buen sabor de boca, pero claro, no eran juegos de lucha 100% y hay quien pedía este fighterz a gritos. Lo difícil es que claro, este género tiene grandes como Street Figher, Marvel vs Capcom, Mortal Kombat, Tekken, Injustice… y es difícil hacerse un hueco.

Pero claro, este FighterZ lo ha logrado. Cómo? Pues precisamente cumpliendo con las exigencias de dos perfiles de jugadores esenciales. Los fans de la saga y los más jugones de la casa. Es una pasada.

El primer juego de lucha de bola de dragon que de verdad hace que te sientas en una batalla salida de la cabeza de Toriyama. Los personajes, los gráficos, las voces, las técnicas… es una pasada. Y la velocidad a la que se desarrolla todo…

El juego lo han creado Bandai Namco y Arc System Works que ya se encargasen en su día del Extreme Butoden para nintendo 3Ds y es básicamente un 3 contra 3 en 2D… y media.

Al principio del juego te conecta a un servidor y entras en una sala de juego donde manejas un personaje superdieformed y te vas moviendo de una zona a otra del mapa para acceder a las diversas funcionalidad del juego. El combate local, el combate contra un compi del servidor, la tienda, la torre de batalla, los combates mundiales, la zona arcade, la zona de repeticiones o el modo historia.
 

El modo historia por ejemplo mola. Cronológicamente podría estar después de Super porque aparecen personajes de ésta, pero bueno, como algunos OVAs de la franquicia, queda un poco fuera de la linea temporal oficial, así que se permite sus licencias. La cosa es que tu alma se mete en el cuerpo de Goku. Una maquina ha generado ondas que debilitan a los luchadores de la banda Z. Aparecen clones de ellos y sus enemigos atacando la ciudad. Regresa Célula, un nuevo C16 y una investigadora de la Red Ribbon que parece estar detrás de todo esto… Hasta un nuevo personaje creado a propósito para ese juego y que sería perfecto para la serie. Muy chulo, y muy util para ir aprendiendo la mecánica de las batallas. Es un tutorial entretenidísimo y didáctico. Empiezas con Gokuh y vas recorriendo el mundo en la nave de Bulma recuperando a tus amigos y creando tu equipo batalla tras batalla, pero hay un momento en que te aburres de tanta batalla inútil contra clones. En fin. Pero las animáticas se salen y las voces originales de los seiyuus japoneses han que parezca que estás viendo una nueva historia de Dragon Ball.

De primeras tenemos 20 personajes de lo más dispar y con técnicas o estilos de lucha diferente. Por ejemplo Hit o Nappa son muy físicos, Gotenks o Gohan de pequeño son super ágiles y atacan genial a distancia, Freezer es ultra versatil, Gokuh black una bestia parda… se nota cuales son mis favoritos… Por cierto, algo que nunca había apreciado antes en juegos de Dragon Ball… el tamaño desmesurado de algunos personaje y sus escalas. C16, o Nappa son enormes y se mueven en consonancia. Y no veáis cuando salga Broly.

Lo malo (a la par que lo bueno) es que en seguida te haces con las 15 combinaciones de ataques que puedes emplear con todos los personajes. Cada uno reaccionará de un modo, pero es muy fácil manejarlos, algo que en títulos como Injustice a mí me desesperaba. Esto, no obstante, puede tocarle los kinder a los más jugones del lugar, a los amantes del género de lucha que adoran los retos, las complicaciones y que haya mucha diferencia entre el manejo de un personaje y otro. La verdad es que el juego está pensado para que cualquiera pueda jugarlo… y ganar. Porque el botoneo también vale y los autocombos existen. Da rabia, pero es así. Es como cuando juegas al futbolín y le dices a los amigotes que no vale darle vueltas como locos a la barra, que hay reglas. Pues aquí igual. Yo con mis amigos lo hago así. Tenemos que poner reglas. No vale botonear en modo hiperactivo. Hay que currarse los combos y luchar con estilo, estrategia y epicidad. Gokuh puede ganar por ejemplo a patada limpia o lanzando bolitas de energía, pero lo que mola es cargar la barra de ki al máximo, tele portarse, convertirse en supersaiyan 3 y hacer un kamehameha brutal haciendo que tu enemigo vuele y atraviese tres montañas.

El juego es super dinámico. A veces no sabes lo que está pasando o hay 4 o 5 personajes en pantalla, algunos no jugables. No se puede volar, pero eso dinamiza mucho las batallas. Yo odiaba algunos tenkaichi budokai con escenarios casi infinitos donde volabas y te ibas a 10 km de tu rival. Y se hacían lentisimos y horribles las batallas. Muy diferentes a la velocidad de los combates de la serie. 



Por cierto, en medio de las batallas se pueden recolectar bolas de dragon según consigues hitos e invocar a Shenron que te da uno de tres deseos. Rellenar tu vida, resucitar a un aliado o ser inmortal. Los gráficos son espectaculares y ayudan mucho. Ya digo, el equipo de animación ha sido super fiel al material original y te sientes dentro de la serie. No os digo nada ya si te gastas las perritas y te compras el pack de audios del anime. Los pelos de punta.

Las expresiones, las actitudes y las frases encajan perfectamente con cada personaje. Mola mucho la interactividad del juego que apreciamos por ejemplo en la intro de cada combate y que se customicen las frases con que los personajes retan a sus rivales en función de a quien se enfrenten. Por ejemplo Gohan VS Goku, pues Gohan le dice algo así como “vamos a entrenar papá”. Pero si Gotenks se enfrenta a Goku y Vegeta le dirá algo así como “Los dos sois mi padre”. También hay escenas clásicas como Gohan venciendo a Célula o Freezer haciendo explotar a Krilin y Goku convirtiéndose en super saiyan. O escenas que nunca sucedieron pero te jartas, como Gotenks vacilando a Nappa por no poder convertirse en superguerrero.

Otra cosa genial, detalles como ataques de A18 en los que aparece A17 echándole una mano, o Gohan que es acompañado por su padre en su versión infantil al hacer un kamehameha y por Gotenks en la versión adulta de Gohan. O Gokuh Black que es ayudado por Zamasu en algunas técnicas especiales.

Contras: Pues lo típico. Esperamos como locos nuevos DLCs con más personajes. En unos días tendremos por ejemplo a Bardock y Broly. Pero ahora tras DB super, pueden aparecer hasta un centenar de personajes. Que no tarden. El caso es ese, la pasta. Desbloquear personajes, los DLCs, la música del anime… todo vale mucho. De hecho el juego está en tres versiones y la completa vale más de 100 euros. Es un poco disloque. Aún y con eso, eso un disfrute absoluto. Probar todos los personajes, todas las técnicas, todos los modos de juego… es una experiencia Dragon Ball 200%. Alguno echará en falta Dragon Ball GT. Yo echo de menos a Gokuh de niño. Sería un personajazo, con su nube kinton o un Mr Satan.

sábado, 17 de marzo de 2018

TOMB RAIDER (2018): Análisis

Por dónde empezar? Sinceramente, últimamente empezaba a pensar que soy un apocado al que todo le gusta que con todo se conforma. Pues gracias a Tomb Raider, me he dado cuenta de que no es así. Así que algo de bueno tiene. 



A ver, siendo justos, como peli es mejor que la versión de 2001 de Simon West con Angelina Jolie, pero casi peca de lo mismo, de estar confeccionada a base de fragmentos mal conectados que hacen la narrativa ineficiente y que mataron en su día la franquicia y pueden volver a hacerle mucho daño a esta nueva versión que, descaradamente se presenta como el origen de la leyenda y como punto de partida de una nueva saga.


Fijaos, me recuerda a los cuatro fantásticos, otra franquicia que trata de reescribirse constantemente, que trata de ser una y otra vez una historia de orígenes y que curiosamente no acaba de dar con la tecla correcta.

Con esta Tomb Raider, he tenido la sensación de que la oscarizada Alicia Vikander (para mí lo mejor de la peli), comienza siendo Lara, pero deja de serlo en el segundo cuarto de película y no vuelve a ser reconocible hasta justo antes de los créditos. Una pena porque ya digo, Alicia tiene mucho que aportar.

A ver, cuento con el handicap de haber sido un fanático del remake de este título. De haberlo disfrutado hace unos años con lágrimas en los ojos. De haber sentido miedo, tensión y de haber visto a una chica motivada pero inexperta crecer hasta convertirse en una auténtica aventurera. Esa era la clave del remake en consolas. El origen en sí de Lara, pero no el origen por el origen, sino los acontecimientos que machacan a la cría hasta endurecerla a través de un tremendo viaje de iniciación no carente de sangre, sudor y lágrimas. Qué ha pasado con la cinta de Roar Uthaug? A ver, el director partía de un reto difícil. El de mostrarnos algo distinto al juego a quienes lo disfrutamos en su día, contentándonos a nosotros, pero también a toda una nueva generación de fans de la Croft. Para mí, craso error? Convertir a Lara en una chica dependiente. Al final Lara depende de su padre. Como Jyn Eso estaba atada al suyo en Rogue One o Chunli al suyo en la leyenda de Chunli. Y no hacía falta. Lord Croft sobra totalmente. Lara tiene que valerse por si misma.

En todo caso eché mucho de menos a la tripulación que compartía el buque Endurance y destino con ella en el juego (sam, reyes, Jonah…) y que servía como elemento de apoyo y de motivación para la muchacha. Aquí todo es facilón. Una vez que llega a la isla, donde la historia ha de dar el gran paso, es donde pierde inercia hasta descalabrarse. Lo que decía antes. Lara sufre en la isla. Sí, se mete dos o tres guayas, sangra, grita… pero no crece. No, porque ya comienza formada como una Champion desde el principio. Así que no hay una evolución ni un arco de transformación como el que veíamos en el juego.

Aún y con todo esto (ya me he descargado bastante) la película es entretenida. Entiendo la limitación de tiempo. No podemos construir le personaje de Lara en hora y media como lo hacíamos en 20 horas de juego. Y la limitación de público. La cinta es bastante blanca, pensada por igual para adultos, jugones y niños que conformen una nueva fanbase. El final es un cliffhanger en toda regla. Esperemos que Lara vuelva y que lo haga con fuerza para sorprendernos.

domingo, 11 de marzo de 2018

ANNIHILATION: Análisis

Tras su éxito con EX MACHINA, Alex Garland nos quería deslumbrar trasladando al cine la que muchos decían que era imposible trasladar, premiada novela de Jeff vandermeer, la cual tiene temática y narrativa de difícil transición a la pantalla grande. 

Y aún cuando hace dos años que acabó la producción de Aniquilación, Paramount ha tardado en darse cuenta de esto y se ha asustado cuando el público de prueba ha calificado la película de demasiado intelectual. Ya las pasaron canutas con Mother de Aronofsky, así que para qué arriesgar más. Para qué gastar en distribuir Annihilation a nivel mundial? La estrenamos en USA y en una estrategia similar a la de Cloverfield paradox, se la vendemos a Netflix para que se encargue del resto en la pequeña pantalla.

Y así ha sido. Sin embargo, aunque una rareza, puedo decir que estamos ante un caso muy distinto del de la precuela de Cloverfield o del de la película de Duncan Jones, Mute.

Annihilation presenta una historia más consistente. Íntima y quizás no apta para pantalla grande pero lo era Ex machina? Garland (al que por cierto ahora se atribuye Dredd), siempre ha jugado al mismo juego. Entorno cerrado. Pocos protagonistas. Acontecimientos fantásticos. La fórmula es la misma. A mí me ha recordado al Stalker de Tarkovski, que también presentaba un grupo de personas entrando en una zona alienígena en busca de preguntas y respuestas sobre la condición humana. Aquí, Garland manda a un pequeño grupo de científicas al área X, una zona cerrada donde desde hace años, desde el aterrizaje de un meteorito, se ha creado un suceso extraterrestre llamado The Shimmer.

Esto, que puede parecer chorra al principio, se convierte en un viaje alucinante donde van dándose acontecimientos cada vez más extraños, y esa es la magia del film. Ese punto de tensión constante que nos entra al no saber qué ocurrirá a continuación. Afectará a nuestras protagonistas? Sobrevivirán? Por qué sucede todo esto? Cuál es el origen del misterio? Y la motivación de cada personaje? Garland sabe bien con qué cartas juega y cómo disponerlas sobre el tablero. Creo que sabe jugar con esa tensión, con el misterio y con el horror psicológico versus el más puro y físico. Ese momento disección y ese “oso”.

En definitiva, aunque en ciertos aspectos pueda parecer un popurrí de otros títulos, (hablamos de un grupo de personajes aislados a merced de fuerzas que desconocen y son potencialmente mortales) Aniquilación sigue siendo arriesgada y original. Natalie Portman es lo bastante potente como para mantener nuestra atención.

Y el ritmo de la historia, aunque lento, no es irregular. Es simplemente lento. Pausado. Asfixiante. Inmersivo. Y a la vez distante. Creando cada vez un ambiente más recargado y opresivo, tanto en lo narrativo como en lo visual y lo auditivo. Atentos al montaje de sonido de las escenas finales.

No le auguro continuación. Nunca veremos cómo la historia de Vandermeer sigue en la pantalla. No sabremos cómo este cerebral viaje, el de Lena hacia lo desconocido, continúa. El mensaje de Garland es que debemos ser pacientes. Desaprender del cine más actual que es gratificación constante a velocidades de vértigo. Y yo, comulgo con él. Al menos me queda el consuelo de que seguro que a más de uno, gracias a esta película, le ha picado el gusanillo de hacerse con las novelas. Y eso, ya es algo.

jueves, 8 de marzo de 2018

Tres animes alucinantes: Ancient Magus Bride, Darling in the Franxx y Welcome to the Ballroom.

Hoy os traigo tres series de anime actuales que me tienen flipado. Ancient Magus Bride, Darling in the Franxx y Welcome to the Ballroom. ¿No las conocías? ¿A qué esperas? ¡Dale al play!

domingo, 4 de marzo de 2018

DIRK GENTLY - Agencia de detectives holística

Douglas Adams escribió una vez una explicación detallada sobre cómo diferenciar un Viernes de un Huevo Frito. En inglés, un Friday de un Fried egg. Verídico.

Pues se parecen estos, lo mismo que las novelas del escritor británico se parecen a la serie del mas bien poco cuerdo Max Landis. Mientras las novelas se recrean en los acontecimientos y sus detalles, la serie viaja a velocidad de infarto con un espléndido tono de agitación que le hace gran favor a los personajes.

Esto es un poco Doctor Who meets Sherlock. Pero a la americana. No sé si me explico :D

Otra serie muy loca que lleva ya dos temporadas de 8 capítulos cada una, estrenadas en Netflix. Dado el éxito que tuvo la saga de los autoestopistas galácticos de Adams (15 millones de ejemplares vendidos de momento), es normal que los productores hurguen en sus creaciones para intentar encontrar más oro. Pues han dado con Dirk Gently y su agencia de detectives holística.

No es la primera vez que el personaje se lleva a otros medios. Ya pasó por la BBC radio y por una miniserie televisiva de la misma cadena británica. Ahora BBC américa y Netflix resucitan a Dirk.



Ahora bien, como he dicho antes, el personaje acaba de pasar por el filtro de la mente desquiciada de Max Landis, escritor y productor que le da a la serie un tono doctor who esco y muy loco. De hecho, Landis le ha dado la vuelta a la tortilla y se ha deshecho de todo cuanto el personaje de Adams tenía. Aquel tenía una agencia de detectives en gran bretaña. Este no tiene nada y está en EEUU. Y por eso funciona. Porque Landis ha creado un universo que encaja a la perfección con este personaje entusiasta y pueril que se mueve por el mundo resolviendo casos de forma holística, o sea, según le viene. Una cosa le lleva a la otra, otra a la de más allá… y se resuelve porque TODO ESTÁ CONECTADO. Y por eso lo maniaco, desorganizado y a veces incoherente de la serie es lo que me gusta, porque de algún modo y aunque no lo parezca, cada detalle forma parte de un plan maestro.

Dirk (en la piel del británico Samuel Barnett) es el producto de un oscura organización llamada Black Wing que experimenta con seres tan raros como él, cada uno con un nombre en clave. Por ejemplo, Dirk, que sigue el destino, es perseguido por una muchacha es una asesina holística, que va matando a quien se ponga por delante también porque el destino se lo pide. Hay humor, sangre, tiroteos… que también le sientan bien al personaje que ya digo que es bastante inocente, con lo que verle en estos sangrientos entuertos crea un efecto de lo más atractivo.

Y no nos olvidemos de Elijah Wood, interpretando a Todd, un botones que se encuentra, como casi todo en esta serie, por casualidad (o no) con Dirk y que se verá envuelto en su cruzada por desfacer misteriosos entuertos. De hecho, la oposición Todd y Dirk es de lo más divertido de la serie. La misma oposición que hay entre la asesina Bart y su secuestrado Bart, entre los cuales hay un curioso síndrome de estocolmo. O Amanda, la hermana de Todd y los Rowdy 3, que en realidad son 4, cuatro destructivos vándalos psíquicos…

En la primera temporada, asesinatos y viajes en el tiempo llevaran a nuestros personajes de un lado para otro. En la segunda, el caso va de magia, hechicería y mundos paralelos. Eso y ni un segundo de descanso.

Landis ha entendido bien, a su manera y a la americana, el concepto de Douglas Adams. Todo, el guion enrevesado, los personajes absurdos, las situaciones más inesperadas… todo es una gran broma. Y con esto en mente desarrolla más y más subtramas que al final se entretejen para formar una historia que se va resolviendo al final de cada temporada. Ahora, con la segunda a la espalda, además, los personajes han crecido y han evolucionado, preparandose para lo que está por venir.

jueves, 1 de marzo de 2018

THE TICK

Últimamente sigo cayendo en las redes de series originales de Amazon de esas que mis amigos dicen “no la vería nunca”. En este caso, conocía al personaje, la Garrapata, o The tick, por los comics creados por Ben Endlund con 18 añitos en 1986 (respondía el correo), por la serie de animación de los 90, que nunca me enganchó y por la sitcom de acción real de principios de los 2000 que nunca cuajó y no superó los 9 capítulos.

Aún y con ello, The Tick en su planteamiento de parodia del mundo superheroico, nunca me convenció (salvo por los comics). La serie de animación le dio fama al personaje, pero a mí me parecía lenta y sin gracia. Y la de acción real me resultó, extremadamente cutre para la época.

Sin embargo, le di mi voto de confianza a esta nueva iteración del personaje, a esta apuesta de Amazon Prime Video que también produce Endlund (y Barry Sonnenfeld)… y mira tú, me enganchó cosa mala. Tanto es así, que la serie se estrenó en agosto, pero sólo se lanzaron 6 capítulos de media hora cada uno y casi he sufrido hasta su conclusión con 6 nuevos episodios este pasado 23 de febrero. Por qué?

He ahí la cuestión. The Tick nos presenta en su nueva serie un universo muy interesante y la mar de divertido, pero lo hace bien, guardando un equilibrio entre realismo y absurdo, entre acción y humor que a mí me ha funcionado. Es un poco (aquí es donde me llueven golpes como panes) como Watchmen en el sentido de mostrarnos un mundo en el cual el ser humano coexiste con el superhéroe, para concretamente mostrarnos las imperfecciones de estos últimos pero con un giro tragicómico. Aquí, los que aparentemente parecen más débiles y ridículos puede que sean quienes acaben triunfando.



La premisa es la siguiente: Arthur Everest (Griffin Newman) es un joven contable traumatizado desde el momento en que, siendo niño, su padre fue aplastado frente a él por la nave de su super grupo favorito, los Bandera 5, mientras se enfrentaban a su archienemigo, el Terror. Los años han pasado y supuestamente el Terror falleció a manos del Superman de turno (superguay), pero Arthur tiene un runrun y lleva meses investigando porque cree que el Terror sigue vivo. El resto de su entorno, piensa que está chalado y de hecho, cuando se pone nervioso, tiene un tick. En medio de sus andanzas, aparece de repente un tipo enorme, azul, despistadísimo y ultrapoderoso, que no recuerda su pasado, llamado, precisamente the Tick (en español, la garrapata, en la piel del cómico Peter Serafinowic). The tick se empeña en seguir a Arthur allá donde vaya hasta al punto de que Arthur se plantea que sólo es un fragmento de su mente. Pronto descubre que quizás la garrapata no sea tan imaginaria como él cree. Mientras las desventuras de héroe y sidekick, llevan a Arthur a hacerse con un supertraje creado como arma por el ejército urmano. Y así, como un efecto dominó, la locura está servida. Entre medias tenemos a Dot, la hermana de Arthur (junto a él, la única con los pies en la tierra) a Overkill/Supermuerte, una suerte de Batman exageradísimo que busca acabar con el Terror por venganza y con cuyos crueles métodos la Garrrapata no comulga. A Danger Boat, el barco/IA con tendencias homosexuales de supermuerte… y así una suerte de héroes que también tienen su reflejo en los villanos, Miss Pelusa, La Pirámide y el Terror, arquetípico y paródico supervillano interpretado por Jackie Earl Haley. Además de un sin techo ingeniero, un hombre muy grande… y un científico minúsculo.

Como veis, una galería muy loca de personajes que, en los primeros 6 capítulos giran en torno a la creación del equipo Garrapata Arthur y en los seis últimos van moviendo poco a poco todas las piezas del tablero para llegar a la jugada final de los planes maestros y algo absurdos del Terror.

Para mí, ya digo, me ha gustado porque creo que tiene un equilibrio adecuado entre tensión, humor, absurdo y acción que hace que la trama se mueva y que vayas queriendo ver más de los personajes, tanto en sus facetas más personales como en las superheróicas. Visualmente, aunque algunos efectos pueden ser más de andar por casa, tiene una fotografía muy decente y poco típica de una sitcom de media hora.

Con tan pocos shows de humor de superhéores esta es la SERIE QUE EL MUNDO NECESITA.

martes, 27 de febrero de 2018

Heroes Comic Con Valencia - Opinión

Saludos Frikipilleros! Estas son mis impresiones de la Heroes Comic Con de Valencia y algunas de mis compras, tras un viaje relámpago.

THE ORVILLE

Quería aprovechar una breve entrada del blog para hacer una rápida mención a THE ORVILLE, la comedia/no tan comedia creada por Seth McFarlane y que tiene por detrás también a grandes de la talla de Jon Favreau o a conocidos de la casa trekkie como Brannon Braga.

Sólo diré que lo que comenzó como una parodia de Star Trek se ha convertido para mí en un must, con una primera temporada con capítulos más que destacables que merecen alabanza por ser un análisis y una crítica a nuestra sociedad actual. En concreto los episodios 3, about a girl, que plantea un tenso debate sobre un tema tan contemporáneo y complejo como es el cambio de sexo, el capítulo 6, Krill, que de algún modo viene a estudiar el fenómeno del adoctrinamiento religioso, el 7, Majority Rule, que plantea los peligros de una democracia absoluta, una sociedad donde todos podemos decidir quien vive o muere, quien triunfa o cae, a través de la votación popular via redes sociales, y finalmente, el capítulo 12, Mad Idolatry, que plantea la cuestión de la fe ciega y el fanatismo hacia religiones basadas en acontecimientos que sucedieron hace miles de años.

Ahí lo dejo, en mi humilde opinión, una joyita digna de verse y que además nada tiene que envidiar a otras series de ciencia ficción en cuanto a maquillaje o efectos visuales se refiere.

jueves, 15 de febrero de 2018

Análisis: Cloverfield Paradox

Para hablar de cloverfield paradox, hay que poner a la audiencia en contexto y hacer un poco de retrospectiva. Toca irse una década atrás y revisitar una peli que a mí, como proyecto me encantó y puedo decir que fue la primera película que me hiperhypeó con sus campañas web virales, pero que en sala me dejó un poco frío (aunque con buen sabor de boca pasados los años, he de decirlo). Hablo de Cloverfield, a secas, o lo que aquí se denominó Monstruoso.

En 2008, Matt Reeves (director por ejemplo del Amanecer del Planeta de los Simios o de Déjame Entrar) dirigió, Drew Goddard (escritor de Cabin in the Woods, Guerra Mundial Z o Marte y director precisamente de Calle Cloverfield) guionizó y el bendito a la par que denostado JJ ABRAMS, produjo con su Bad Robot una (abro comillas para tecnicismos anglosajones) Monster Movie a base de Found Footage, es decir una peli de monstruacos a partir de restos de grabaciones, como ya hubiese hecho antes El proyecto de la Bruja de Blair y como hiciese después Chronicle, por poner dos ejemplos a modo de horquilla. El proyecto, ya digo, moló. Un nuevo enfoque para un género poco explotado. Eso sí, creo que las campañas que se lanzaron meses antes online y que planteaban secretos de estado, noticias corporativas sobre vertidos radioactivos etc y que iban dando pistas sobre la historia, fueron mucho más geniales como ejemplo de narrativa transmedia que la peli en si.


Hace escasos dos años, precisamente Drew Goddard dirige una nueva peli producida por Abrams, que resucitaba a un John Goodman que vuelve a estar a mi juicio en estado de gracia y que curiosamente se titulaba 10 Cloverfield Lane o por estos lares, Calle Cloverfield. Todos alucinamos. “Tendrá que ver con monstruoso?” Mistery Box abramesca!!! Pues aparentemente una vez vista, poco o nada. Relación por tanto con Cloverfield? Pues creo que muchos entendimos que Cloverfield era un paraguas para un conjunto de películas enmarcadas dentro del género del terror y la ciencia ficción con un giro muy particular. Punto.

Se planteó entonces, en 2008, la existencia de un universo cinematográfico compartido? Lo dudo.

Con el tiempo se anuncia un nuevo film en la serie. God Particle, la partícula de Dios, que OJO, pasa a ser considerada Cloverfield 3. Como particularmente me gustaba el proyecto, la he seguido con ganas. Un desastre en la producción. Retrasos en la fecha de estreno. Cero o nada de información al respecto. Que si se iba a cambiar el título… luego que trailer por fin en la Superbowl… y efectivamente, trailer y sorpresón. Netflix anunciaba que en ese momento cualquiera podía ver la película en la plataforma digital. Ni estreno en cines ni nada.

Dicho y hecho, me puse a ver la que al final se tituló CLOVERFIELD PARADOX y que ha resultado ser un batiburrillo espacial que, esta vez sí, conecta directamente con el Cloverfield de 2008 y que se presenta como detonante precisamente de todo este universo fílmico. Cómo? Pues presentando una historia con una estación espacial, precisamente llamada Cloverfield, que provoca con su acelerador de partículas, brechas dimensionales que afectan a diversas tierras en distintos universos y en distintas épocas… o lo que es lo mismo, siendo detonante de los acontecimientos sucedidos en toda esta saga. Llamémoslo equis.

Ahora bien, en general, por qué digo que Cloverfield Paradox es un batiburrillo? Pues porque dejadme que empiece por lo malo, pero tristemente, la película me ha defraudado un tanto en cuanto a calidad, más en lo narrativo que en lo visual o interpretativo, y porque creo que jugaba con la ventaja del desconocimento por nuestra parte y con elementos más que interesantes que al final han quedado en agua de borrajas.

Yo no lo quiero decir pero creo que CP fue un poco peli desastre desde el principio y la han intentado salvar metiéndola en esta saga y lanzándola por Netflix.

Pero vamos por partes como Jack el destripador:

  • La premisa: Pues en el año 2028, mientras la Tierra se va al garete por una crisis energética del copón y con una guerra mundial a punto de estallar, un equipo de astronautas de diversos países se embarcan en una estación espacial para hacer funcionar un acelerador de partículas que le traerá energía infinita al planeta. Pero amigo… qué pasa cuando dan con un bosón de Higgs, la particula de Dios? Pues que dos realidades coexisten y de repente, la tripulación se ve lanzada a una dimensión paralela de la que tienen que regresar como sea.
  • El director: El nigeriano Julius Onah… cumple. Check.
  • El guionista: Oren Uziel, director y escritor de otra peli curiosa que anda por Netflix, Lago Shimmer. Un crimen contado del revés. (qué novedoso, no? Pues eso, creativo lo justo.)
  • El reparto: Aquí, nada brillante, pero no me quejo.
    • La prota, Gugu Mbatha Raw, poco he visto de ella. Pero algo de chica disney tiene porque pudimos verla brevemente y escucharla en VO como Plumette en el live action de la bella y la bestia y la veremos en la próxima “un pliegue en el tiempo” también de Disney. No lo hace mal. Es Hamilton, la prota de la película, una astronauta que ha perdido a sus hijas en un triste accidente y decide lanzarse sin nada que perder a una nueva aventura espacial porque pocos lazos le quedan en la Tierra.
    • Daniel Bruhl, pues en su línea. El astronauta alemán en la base espacial internacional. Un pelín acartonado, introvertido, con cara de malo y secretos ocultos… o no, quien sabe. Le pega el papel.
    • David Oyelowo, pues el director del cole de Interstellar y la voz del Agente Kallus de Star Wars rebels. Aquí es Kiel, el líder del equipo de astronautas.
    • Chris O’Dowd, el cómico irlandés, pone el punto de humor en la tripulación. Atención a su brazo que cobra protagonismo absoluto durante un fragmento del film. Para mí, de lo mejor.
    • Elizabeth Debicki, la dorada Ayesha de Guardianes de la Galaxia 2 o la sexy Victoria Vinciguerra de Operación UNCLE, es una astronauta… de otra tripulación. Si, de un equipo HELIOS otro… y plantea el elemento intruso, que mola.
    • El vínculo de unión con Monstruoso: Pues aparentemente, el malfuncionamiento del acelerador, el Sheperd, lleva a la apertura de una brecha dimensional que no sólo manda a estos chicos a donde cristo perdió el mechero, sino que deja entrar en nuestro mundo criaturas del más allá. A lo Pacific Rim, pero sin Jaeggers. Supuestamente, también abre la puerta a las criaturas de Calle Cloverfield en otra Tierra en otra dimensión. Y de algún modo, desde el año 2028, el Sheperd también afectará a unos soldados de la Segunda Guerra Mundial en Overlord, la anunciada cuarta película de este universo Cloverfield.

Para ir cerrando. Qué me gustó y qué no. Pues como punto positivo, el tratar de dar coherencia a este universo de películas es una buena idea. La premisa, es una buena idea. El acelerador, el salto a otra dimensión y sobretodo las consecuencias del mismo sobre la tripulación daban muchísimo juego.

Peeeerooooo…. Bajo mi punto de vista se ha aprovechado mal. Se podría haber jugado con elementos más de peli de terror y no se han atrevido. Se han quedado encasillados en la ci-fi, o más bien a medio camino. Y esto mismo ha resultado en un juego que provoca algunos deus ex machina descarados en la historia y que le hacen perder fuelle. Una pena, ya digo, porque salen de buen puerto. Y finalmente, al mismo tiempo que he dicho que me parece algo positivo que hayan querido crear una especie de precuela/secuela o peli conectada con Monstruoso, creo que todas las secuencias relacionadas con Michael, el marido de Hamilton, que sigue en la Tierra, sobran. SonFan service total. Nos alegra la vista ver conexiones. Incluso que la explosión del acelerador suceda en el minuto 11.20, el mismo segundo exacto en el que Nueva York sufre el apagón de Monstruoso. Pero aún y sin esas secuencias, la historia de la estación espacial Cloverfield se sostiene por si sola.

En fin, es de agradecer haberla visto en Netflix, que parece que no duele tanto cuando la película no es tan buena. Aún así nos quedaremos mordiéndonos las uñas algunos, esperando a Overlord, cuarta película de la saga, y otros, sin embargo, querran olvidar cualquier experiencia relacionada con cualquiera de las cintas que llevan por apellido Cloverfield.

martes, 13 de febrero de 2018

Análisis: Tres anuncios a las afueras

Tres anuncios a las afueras es un drama con tintes de comedia negra. Por lo que ha contado Raúl, con mucho en común con I Tonya, precisamente por esa línea Fargo’esca que mantiene y que arrasa con el sueño y el sistema americano, pero con un tono quizá totalmente distinto. Una tragicomedia en toda regla que nos relata la historia de una madre, Frances McDormand, que alquila tres vallas publicitarias para llamar la atención y buscar justicia ante el asesinato no resuelto de su hija. Esto lleva a producir lo que denominaría un efecto dominó en el pueblo, Ebbing, o mejor aún, un efecto mariposa, pues un pequeño acto lleva a otro mayor y más desagradable, haciéndose la bola de nieve cada vez más grande y la pendiente más empinada, poniéndose todo cada vez más feo y dejando de verse el fin de esta cadena de catastróficas desdichas.

Puede que dicho así suene a “una de esas pelis que ya veré cuando pongan en la tele” pero podemos asegurar que la de Martin McDonagh es una cinta que impresiona y que todo el mundo debería ver cuanto antes. De esas películas en las que abandonas la sala con la cabeza aún zumbando, el pecho inflado, la patata tocada, los ojos húmedos, la sonrisa en la boca y las cejas arqueadas. Motivos?


Empecemos por lo más básico, porque es una peli multipremiada. Frances McDormand interpreta magistralmente el personaje de Mildred Hayes y eso le ganó el Globo de Oro a la mejor actriz dramática.

Mildred es esa madre que todos hubiésemos querido tener… o tal vez no. Es de las que además de llevar un corte de pelo de malota, insulta, escupe, le zurra a los matones de clase que te hacen la vida imposible y hasta le lanza puyas a los miembros del clero… por no hablar de esa guerra abierta que desde un principio se trae entre contra el cuerpo de policía de Ebbing y que va in crescendo hacia cumbres apocalípticas, que obviamente no relato porque sería entrar en terreno del spoiler y no es plan de destripar. Pero qué tía. Es de las de armas tomar, pero obviamente con un corazón a punto de estallar por la tristeza. Va envenenada, entumecida por el mundo y casi cegada por la rabia. Vaya par de kinder tiene entrando en la comisaría como si de un saloon del oeste se tratase. De hecho es que hay tintes muy de western en la peli. Tenemos hasta pelea en la cantina.

Por otro lado tenemos a Sam Rockwell, cuyo agente Dixon, se llevó el premio a mejor actor secundario. Y es que hace un gran trabajo interpretando a ese currito cortito de mente y un tanto insufrible que ya le hemos visto interpretar en pelis como Iron Man 2. Aquí es Dixon, un poli incompetente y abusón capaz de hacer sufrir de forma sádica a cualquiera que se cruce con él con un muy interesante arco de transformación (uno que algunos criticarán de incomprensible o demasiado fantástico pero que quizás por ello, sea de lo más real. La vida supera la ficción muchas veces y ojala que haya muchos Dixon en el mundo).

El otro policía que brilla con luz propia, héroe a la par que antihéroe, socarrón a la vez que sufridor, es el jefe Willoughby, interpretado por un magistral Woody Harrelson. Cómo me gusta este hombre y cómo mejora con los años como el buen vino. Me moló cosa fina en la Guerra del Planeta de los Simios recientemente, siempre le vemos como un tipo duro y, ojo, en Tres Anuncios en las Afueras no deja de serlo, a su manera, pero con las imperfecciones del jefe de policía de un pueblo de la Missouri Profunda y con el corazoncito de un padre de familia en días bajos. Padre y marido que se ve afectado, no sólo por las inclemencias de la vida sino por esas tres vallas que le plantean como principal responsable de que el crimen no se haya resuelto. No porque sea su culpa sino simplemente por eso, porque es el líder del cuerpo de policía y porque algún responsable ha de haber.

La película en sí se llevó además los globos de oro también al mejor guión y al mejor drama. Pero es que además, opta a 8 Bafta y 7 Oscars.

Diría que la comedia negra es un poco la especialidad del director y guionista británico, Martin McDonagh, conocido por escribir y dirigir, entre otras, Escondidos en Brujas. Este tipo sabe sentar las bases de sus películas con tonos sombríos desde el comienzo. Aquí lo demuestra, con esa madre buscando justicia, sino venganza por la violación y el brutal asesinato de su hija. Y aunque hay escenas que pueden partirle el corazón a cualquiera, ya seamos hijos, padres o hermanos, Tres Anuncios también destaca por sus instantes de comedia (ácida quizás) que suelen ir de la mano del personaje de Mildred y sus modales para con todo el mundo pero también son obra de Willoughby y Dixon. El uno por su ironía y el otro porque todo le importa un carajo.

Para los fans de GOT, sí, habemus Tyrion. Peter Dinklage forma parte del reparto, pero su personaje, que a mí personalmente me encantó, aunque de paso breve, es de crucial importancia. Ala, no esperéis al pícaro Lannister rodeado de amantes de Canción de Hielo y Fuego. Aquí Peter luce un corazoncito en busca de una dama con suerte.
Por último destacaría a Caleb Landry que interpreta a Red Welby, el dueño de la agencia publicitaria que le alquila las vallas a Mildred y que será víctima de un injusto karma.
En definitiva, con Tres Anuncios en las Afueras, tenemos una película con la que todos nos podemos en un punto u otro identificar. Un film de dos horas que se pasan en un pis pas, que critica la sociedad, el sistema y el modelo de vida norteamericano, reflejando realidades de lo más crueles pero que a fin de cuentas todo el mundo puede reconocer. No importa que la historia tenga lugar en un pueblito de Missouri, lo que acontece puede ocurrir en cualquier rincón el día menos esperado. Hay padres, parejas, hijos… divorcios, homofobia, racismo, maltrato, violaciones, corrupción, bullying…  un crudo pero fiel reflejo de la sociedad en la que vivimos que toca todas y cada una de nuestras fibras y nuestra moral.